Pubblicato il 20 Luglio 2021 Accolto da ovazioni l'eccellente debutto in Arena di una signora italiana della bacchetta Verdi Requiem con Scappucci servizio di Angela Bosetto

VERONA – «La Messa da Requiem verdiana ci dà piuttosto il dramma, realistico e crudele, della morte»: con queste parole il musicologo Massimo Mila spiega come in questa atipica composizione sacra (dalla natura apertamente operistica) la morte sia «... una specie di ferro del mestiere drammatico, un ineluttabile evento naturale che, come necessario deus ex machina, viene a tagliare i nodi e a risolvere le intricate situazioni in cui gli uomini si sono cacciati per effetto delle loro passioni.» Per quanto questo monumentale affresco musicale sia composto da sette sezioni (Requiem et Kyrie, Dies Irae, Offertorium, Sanctus, Agnus Dei, Lux Aeterna e Libera Me), questa Messa, citando nuovamente Mila, «... consiste principalmente nel Dies irae, col suo incubo michelangiolesco del giudizio finale», nel quale «tutto il genere umano si comporta come i personaggi verdiani, e stramazza fulminato, come selvaggina abbattuta di colpo dall’improvvisa palla di fucile, passando di punto in bianco dal calore d’una vita intensissima al gelo della morte.» Eseguita per la prima volta a Milano il 22 maggio 1874 (a un anno dalla scomparsa di Alessandro Manzoni, a cui è dedicata), la «Messa da Requiem» di Giuseppe Verdi negli anni passati è stata diretta in Arena da Antonino Votto (1966), Gianandrea Gavazzeni (1973, 1974), Riccardo Muti (1980), Vladimir Delman (1986), Lorin Maazel (1990, 2000), Zubin Mehta (1997), Georges Prêtre (2001) e Chung Myung-Whun (2013). Il 18 luglio 2021 a tale prestigioso elenco si è unita anche Speranza Scappucci, seconda donna (dopo la canadese Keri-Lynn Wilson) e prima direttrice d’orchestra italiana a salire sul podio areniano. La serata (dedicata alla memoria del regista Graham Vick) è stata realizzata da Fondazione Arena in collaborazione con il Sito Archeologico di Paestum e del Parco Archeologico di Pompei, le cui antiche magnificenze hanno amplificato l’impatto emotivo delle note di Verdi, specialmente alla luce del fatto che la catastrofica eruzione del Vesuvio del 79 d.C. è quanto di più simile la nostra immaginazione riesca ad abbinare ai celeberrimi versi attribuiti a Tommaso da Celano: “Dies iræ, dies illa / Solvet sæclum in favilla / Teste David cum Sibylla” (Giorno dell’ira sarà quel giorno che dissolverà il mondo terreno in cenere / secondo la profezia di Davide e della Sibilla). In cima alle gradinate dell'anfiteatro veronese guizzavano invece una serie di fuochi, che insieme alle tradizionali candeline degli spettatori (spostati opportunamente più in basso) amplificavano la dimensione sacrale dell’evento e del luogo, non più tempio della musica, ma Tempio a tutti gli effetti, in cui chiedere grazia dopo un terribile periodo storico (dal quale, forse, non siamo ancora effettivamente usciti). Appuntamento memorabile grazie (in primis) al Maestro Scappucci, che (al suo esordio - come detto - all'Arena di Verona) ha diretto un Requiem pregevolissimo, restituendo con la medesima, drammatica efficacia tanto l’apocalittica potenza di un fato ineluttabile quanto l’intima delicatezza che ammanta le invocazioni e le preghiere, sospese fra paura e speranza. Sugli scudi l’Orchestra e il Coro areniano (magistralmente preparato da Vito Lombardi), mentre fra i quattro solisti si sono distinti in modo particolare il tenore Piero Pretti e il basso Michele Pertusi, affiancati con lodevole impegno dal soprano Hibla Gerzmava e dal mezzosoprano Clémentine Margaine. Applausi per tutti e successo personale per la Scappucci, salutata con acclamazioni trionfali. Crediti fotografici: Foto Ennevi per la Fondazione Arena di Verona Nella miniatura in alto: l'immagine del poeta e letterato Alessandro Manzoni cui è dedicato il Requiem di Giuseppe Verdi Al centro: un'intensa espressione di Speranza Scappucci, al suo debutto in Arena Sotto: il cast del Requiem verdiano, edizione 2021; da sinistra Hibla Gerzmava, Clémentine Margaine, Piero Pretti e Michele Pertusi Condividi

Pubblicato il 20 Giugno 2021 Nel Duomo di Cesena una pregevole esecuzione del capolavoro sacro di Gioachino Rossini Stabat Mater in memoria di Giovanni Battistini servizio di Edoardo Farina

CESENA - Patrocinato dall’Associazione Musicale “La Pomme” al di fuori delle varie stagioni concertistiche sia del Teatro Comunale “Alessandro Bonci“ che del Conservatorio “Bruno Maderna”, finalmente un appuntamento in presenza da tutto esaurito, segnale di ripresa e intraprendenza dopo una pausa durata un anno e mezzo, dove nel Duomo di Cesena - Cattedrale di San Giovanni Battista, venerdì 18 giugno 2021 è stata eseguita una delle pagine più memorabili della storia della musica: lo Stabat Mater di Gioachino Rossini per commemorare il presidente del locale Coro “Maria Callas” Giovanni Battistini (1929 – 2017) a quattro anni dalla scomparsa, padre del soprano Raffaella Battistini, ricordandolo in una toccante interpretazione supportata dall’Orchestra e Coro della “Cappella Musicale dei Servi” di Bologna diretta dal M° Lorenzo Bizzarri. «Con questo concerto – afferma la Battistini – ho reso omaggio a mio papà venuto a mancare il 6 giugno 2017, nonostante si tratti sicuramente di un’opera più adatta a essere proposta nel periodo invernale o pasquale dato il tema assai cupo e introspettivo. L'ispirazione dell’evento l’ho colta dallo stesso Bizzarri che a sua volta realizzò il Requiem di Mozart a ricordo del proprio genitore a Bologna, aiutandomi molto nella scelta e allestimento.» L’ideazione del capolavoro rossiniano si deve al prete spagnolo Don Manuel Fernández Varela, il quale essendo grande estimatore del celebre pesarese e desideroso di possedere un suo manoscritto, lo pregò di essere accontentato.  Rossini che ben conosceva l’adattamento dell’omonimo Stabat  redatto da Giovanni Battista Pergolesi (1710 – 1736) presumibilmente nel 1734, non si cimentò mai sino a quel momento in una versione propria ma non volendo deludere il religioso cedette infine alle sue insistenze venendo ricambiato da questi con un dono; in effetti non è stato mai ritrovato un atto di vendita comprovante l’acquisto della partitura dato che Rossini, con l’assenso del Varela, stabilì che la stesura non sarebbe mai stata pubblicata essendo a carattere personale. La composizione ebbe una battuta di arresto dovuta a una dolorosa lombaggine sofferta in quel periodo dal musicista, ma molto più probabilmente a causa della scarsa motivazione nell’affrontare quegli stilemi ben lontani dai suoi schemi sinfonici assai noti. Ceduta al maestro Giovanni Tadolini ne avrebbe ultimato il lavoro a scapito dell’ignaro committente, eseguita poi con varie modifiche nel Convento di San Felice el Real a Madrid il 5 aprile 1833. Nel 1837 Don Varela morì e a quattro anni di distanza dalla prima rappresentazione, i fogli dello Stabat Mater vennero ritrovati dall’editore francese Aulagnier il quale chiese a Rossini il permesso di poterli dare alle stampe ove non solo egli si oppose ma ne vietò inizialmente anche l’esecuzione. Riproposto con successive variazioni nella prima parigina del 1842, ebbe consensi molto favorevoli e come tale fu replicato all’Archiginnasio di Bologna sotto la direzione di Gaetano Donizetti con il contralto Marietta Alboni; seguirono date alla Fenice di Venezia e al Teatro Regio di Parma. Nonostante ciò, sin dalla première, Rossini fu però accusato da alcuni esponenti della critica di eccessiva teatralità nella composizione, che pecca, secondo questi, nella trasmissione del senso più mistico di religiosità che emana la sequenza attribuita al beato Jacopone da Todi. «Siamo abituati ad applaudirla sul palco principalmente in qualità di primadonna nell’ambito di importanti icone femminili ed eroine…cosa significa emotivamente e artisticamente interpretare una delle voci di quest’opera sacra rispetto alle successive del secolo romantico, ove non si tratta di mettere in scena espressamente un personaggio?»  domando alla Battistini … «La differenza tra le due tipologie concertistiche è chiaramente enorme e data soprattutto dalle diverse capacità timbriche; qui siamo nella prima metà dell’800, in pieno Classicismo, non ancora giunti totalmente nella grandezza del melodramma italiano ove è indispensabile un soprano lirico dalla massima espressione esecutiva soggetto a rigidi aspetti accademici; come tale senza una adeguata preparazione tecnica ed estensione di ottave risulta impossibile affrontare passaggi considerevoli. Nello Stabat di Rossini abbiamo voci spesso in alternanza non essendo certamente richiesta l’interpretazione in veste di arte scenica e drammatica. Considerando inoltre il fatto che il grosso del lavoro è svolto in buona parte dal basso e tenore, il non rivestire un ruolo emergente lo considero un atto reverenziale nell’ambito del contesto a cui esso è dedicato anche se la difficoltà maggiore si riscontra sicuramente nell’ottavo episodio dei dieci, Inflammatus et accensus per soprano e coro, ricco di ampie modulazioni ove la  parte solistica seppur con difficoltà, deve emergere al di sopra dell’orchestra in modo espressivo e tangibile.» «Rossini come ben sappiamo non è mai semplice, anzi se eseguito male può apparire addirittura volgare – aggiunge il M° Bizzarri -  Per contrasto occorre qui dare un giusto tono liturgico considerando i non pochi problemi di precisione ritmica e intonazione del coro, senza per altro cedere di un passo dalla criticità che impregna l'intera partitura, come nel Sancta Mater ove  la teatralità del compositore si fonde con la sacralità del testo descritto attraverso un sapientissimo utilizzo prima separato, poi unito dalle quattro voci soliste coinvolte. Personalmente mi ritengo ancora una volta appagato, tutti gli orchestrali ingaggiati oramai dispongono di un’esperienza enorme riguardo la capacità di adattarsi a molteplici partiture e opere spesso dalle intenzioni e periodi assai diversi tra loro, rispondendo benissimo senza troppe difficoltà logistiche e creando le giuste interpretazioni, la dinamica, il crescendo ove previsto…»    Intarsi straordinari, esempio di dolore e lirismo hanno fatto onore con superba maestria allo sviluppo delle singole parti tramite un quartetto già esperto e affiatatissimo anche in altri contesti; il basso Francesco Ellero D'Artegna nell’aria Pro peccatis e il seguente “Eia, Mater, il tenore Giorgio Casciarri, soprattutto nella nota pagina Cuius animam – da cui Saverio Mercadante (1795 o ’97? – 1870) dopo avere incontrato il Cigno di Pesaro ne trasse la Gran Sinfonia sopra i motivi dello Stabat Mater del celebre Rossini - entrambi dotati di emissione sorprendente dai toni sapientemente “inquietanti” insieme all’eccellente contralto Christine Knorren assai incisiva nella cavatina Fac ut portem sin dalle prime battute, quindi l’intenso duetto con la Battistini in Quis est homo. Il coro con Amen, in sempiterna in stile fugato ha concluso la prestigiosa serata per dare spazio alle toccanti parole di Lusiana, sorella di Giovanni che hanno portato Raffaella a momenti di grande commozione sino alle lacrime in ricordo del padre. «…egli appartiene ai nomi illustri della cultura cesenate: promotore e sostenitore delle più svariate manifestazioni artistiche, ha saputo donare al sodalizio quella stabilità organizzativa che ha permesso di essere applaudito ovunque in contesti in grado di procurare sapientemente e assai abilmente, portando alla Direzione affermati Maestri con i quali è stato possibile raggiungere sempre la vetta più alta. Fine mediatore, riusciva a ricondurre sui binari di un confronto serrato ma costruttivo qualsiasi contrasto tra le diverse tendenze musicali emergenti dal dibattito interno. Un fedele appassionato della lirica riconosciuto nella città per averne invitato i più grandi esponenti tra cui Luciano Pavarotti nel 2003 al Teatro Bonci donando l’intero incasso per contribuire alla realizzazione del reparto di Terapia intensiva Neonatale dell'Ospedale Bufalini della nostra cittadina romagnola.» La bacchetta di Bizzarri, maestro e concertatore, è stata in grado di sostenere egregiamente tutti i vari episodi nonostante le evidenti difficoltà in primis ambientali dovute al soffitto della chiesa estremamente alto, come tale  non certamente idoneo alle sonorità sinfoniche, generando vari effetti eco e fastidiosi ritorni acustici in sovrapposizione alle parti, ma soprattutto l’assurda e immotivata imposizione delle mascherine al coro nonostante l’area enorme, situazione che ovviamente non ha agevolato né la qualità dell’emissione vocale né il visibile labiale utile allo stesso direttore… riuscendo comunque e ugualmente a regalarci una serata di grande musica scaturendo calorosissime e meritate ovazioni. Crediti fotografici: Roberto Baracca Nella miniatura in alto: il maestro Lorenzo Bizzarri Al centro: il soprano Raffaella Battistini Sotto: panoramica sui protagonisti dell’esecuzione Condividi

Pubblicato il 11 Settembre 2020 Il cantante ancora una volta mattatore nell'anfiteatro di Verona che lo ha visto spesso protagonista Plácido Domingo per l'Arena servizio di Angela Bosetto

VERONA – Quello fra Plácido Domingo e l’Arena è un rapporto che dura da oltre mezzo secolo. Dal 1969 (anno in cui il tenore madrileno debuttò nell’anfiteatro veronese come Calaf e Don Carlo), Domingo in Arena ha interpretato Des Grieux, Cavaradossi, Radamès, Turiddu, Canio, Otello, Nabucco e Germont, ha diretto Aida e Carmen, è stato nominato Direttore artistico onorario del Festival del Centenario (2013) ed è stato il protagonista di numerose serate evento, culminate nel 2019 in Plácido Domingo 50° Arena Anniversary Nigh, secondo maggior incasso dell’intera storia areniana. Era dunque prevedibile che, il 28 agosto, anche il concerto Plácido Domingo per l’Arena (dedicato a Giuseppe Verdi e Umberto Giordano) attirasse un pubblico numeroso, nonostante le avverse previsioni meteo (il che porta spesso a ironizzare – bonariamente, si intende – sul fatto che il rischio di pioggia segua Domingo più fedelmente dei qualunque suo fan), gli annosi dibattiti riguardanti la sua vocalità (indiscutibilmente tenorile a dispetto dell’attuale repertorio baritonale) e l’invito del movimento #MeToo a boicottarne le esibizioni in seguito alle accuse di molestie (questione che non affronteremo, dal momento che i processi non si fanno sui media, ma in sede legale alla presenza di autorità competenti). E così, puntualmente, è avvenuto. Tutto il resto può cambiare, ma l’amore del pubblico areniano per Domingo (già prenotato per l’estate 2021) no, non cambia. Alla guida dell’Orchestra, il Maestro Jordi Bernàcer ha confermato la propria attenta sensibilità musicale, non solo accompagnando di solisti, ma dirigendo tre preziose pagine strumentali sinora mai proposte in Arena: l’evocativa Sinfonia di Giovanna d’Arco, il raffinato Preludio de I Masnadieri (durante il quale ha avuto occasione di splendere il primo violoncello Sara Airoldi) e l’appassionato Intermezzo di Fedora. Al contrario di quanto annunciato sulla carta, Domingo ha deciso di eseguire all’inizio «Nemico della patria» (Andrea Chénier) e alla fine «Per me giunto è il dì supremo… O Carlo, ascolta» (Don Carlo). Una scelta oculata che gli ha permesso di ghermire subito il palco grazie all’impetuoso monologo di Carlo Gérard e di affrontare quindi la celeberrima morte di Rodrigo con la voce opportunamente ammorbidita e “riscaldata” (non solo dall’emozione). Anche se gli strumenti canori non sono più – comprensibilmente – quelli di una volta, l’indubbio carisma e le forti doti espressive continuano a permettergli di veicolare emozioni genuine e di toccare l’animo degli spettatori. Chiamata ad affiancare il superdivo, il soprano Saioa Hernández si è calata nei panni di Maddalena di Coigny («La mamma morta») e di Leonora («Tacea la notte placida»), per poi duettare con Domingo negli accesi confronti de Il Trovatore («Udiste?... Mira, d’acerbe lagrime… Vivrà! Contende il giubilo») e La Traviata («Madamigella Valéry?... Pura siccome un angelo... Un dì, quando le veneri... Dite alla giovine sì bella e pura... Morrò! La mia memoria»). La voce della Hernández risuonava bella e generosa, ricca di armonici e colori, luminosa ma al contempo brunita. Visto che l’opera italiana era già stata omaggiata con il programma ufficiale, i bis sono stati dedicati alla zarzuela spagnola: la romanza sopranile «¿Qué te importa que no venga?» (da Los claveles di Josè Serrano), il duetto «¿Me llamabas, Rafaeliyo?» (da El gato montés di Manuel Penella) e, naturalmente, «No puede ser» (da La tabernera del puerto di Pablo Sorozábal), aria irrinunciabile per qualunque tenore ispanico, Domingo in primis. Successo pieno per tutti. Crediti fotografici: Ennevi Foto per la Fondazione Arena di Verona Condividi

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