Pubblicato il 04 Novembre 2021 Ottimo concerto-performance per ricordare due grandi ingegni distanti sette secoli nati in terra italiana Il divino intelletto di Dante e Berio servizio di Athos Tromboni

FERRARA - Da divino intelletto e da sua arte s'accostò ai ferraresi, cioè il pubblico pagante di Ferrara Musica, un insolito omaggio a Dante Alighieri e al suo settecentenario: il direttore d'orchestra e compositore Marcello Panni, sul podio dell’Ensemble di Musica Contemporanea del Conservatorio di Bologna ha infatti proposto uno stimolante (e bellissimo) programma che partendo dal pezzo musicale Visage di Luciano Berio, attraverso il Combattimento di Tancredi e Clorinda musica di Claudio Monteverdi sulle ottave del Tasso, è giunto all'epilogo con Laborintus II musica ancora di Berio. Non è frequente (salvo ai tempi di Claudio Abbado vivente) assistere a Ferrara a concerti di musica colta (o "alta" o "seria" direbbero molti musicologi) scritta nel Novecento. E neanche assistere ai madrigali di Monteverdi. Per cui l'appuntamento concertistico di mercoledì 3 novembre 2021 è stato culturalmente stimolante e artisticamente riuscito. Procediamo con ordine. Visage: questo lavoro di Berio è un'opera per suoni elettronici e voce. La voce era quella di Cathy Berberian indimenticabile mezzosoprano americana di origine armene, moglie del compositore. Venticinque minuti di miracoli vocalistici, dalla emissione lirica impostata, al vocalese e allo scat delle cantanti jazz, per una performance che ha giustamente riproposto la Berberian come artista unica (chi altre avrebbero potuto sostenere con altrettanta efficacia il funambolico canto che la mezzosoprano armena ha sciorinato?). Sul grande schermo del fondale, intanto che il nastro magnetico rendeva i suoni registrati della miracolosa performance vocale, scorrevano le immagini suggestive di Silvia Lelli e Roberto Masotti con le loro Visioni su “Visage” rendendo reale «... l'intendimento di ‘comporre’ la percezione di chi ascolta e vede, accostando un percorso visuale astratto a quello sonoro, ampiamente storicizzato, dalla forte componente musicale.» Un’opera-video? Una installazione? Sì, forse sì. Forse no... Comunque, non una messa in scena teatrale. Moltissime immagini proiettate erano prese dagli spazi del teatro, dai palcoscenici, dalle scene immortalate dal Duo Fotografi d'Arte ravennate, la 'premiata ditta' Lelli & Masotti, plenipotenziari delle foto di scena per molto tempo nel Teatro alla Scala di Milano. Interessante la performance audiovisiva, ma straordinariamente bello risentire Caty Berberian su nastro, non potendola più, mai più purtroppo, sentire dal vivo. Il Combattimento di Tancredi e Clorinda:  il madrigale tassesco di Claudio Monteverdi è stato riproposto nella trascrizione dello stesso Luciano Berio, dedicatario (insieme a Dante Alighieri) della serata concertistica di Ferrara Musica. Questa particolare esecuzione del capolavoro monteverdiano si è avvalso della voce di Chiara Osella (mezzosoprano) che ha interpretato sia la parola del Narratore che quella dei due combattenti; in scena anche due danzatrici della C&C Company di Carlo Massari, autore delle coreografie, che hanno mimato lo scontro dei due combattenti come fossero su un immaginario ring di pugilato. Per Luciano Berio Il Combattimento di Tancredi e Clorinda era «... uno dei lavori monteverdiani più sperimentali, al di fuori di ogni tradizionale classificazione: un’opera, dunque, ma anche un balletto, ma anche una cantata, un documentario, un cinegiornale, ma anche un happening per l’aristocrazia veneziana del XVII secolo.» Brava la Osella e le due danzatrici, sotto l'attenta guida musicale di Panni a capo di una piccola formazione da camera come richiesto dalla trascrizione di Berio (tre viole, un violoncello, un contrabbasso e il clavicembalo). Laborintus II: infine questo complesso e bellissimo pezzo di Luciano Berio è stato proposto sulle tavole del Teatro Comunale "Claudio Abbado" per la prima volta in assoluto. Il lavoro è basato su testi del poeta Edoardo Sanguineti sviluppati da versi danteschi sparsi (dalla Commedia a Vita Nova a Convivio); le note di sala informano che trattasi del primo brano nella storia della musica a coniugare la musica elettronica preregistrata su nastro magnetico, con la voce e gli strumenti ‘live’. La voce (anzi, le voci) erano quelle del mezzosoprano Chiara Osella e dei due soprani Elisa Bonazzi e Paola Quagliata; più un coro misto di otto elementi a completare l'Ensemble di Musica Contemporanea del Conservatorio di Bologna, forte di diciassette strumentisti tra cui due arpe. La voce recitante solista era quella di Federico Sanguineti, filologo e dantista di chiara fama, figlio del citato poeta Edoardo, che ha fatto tutta la propria performance declamando a memoria. Laborintus II venne composto da Berio nel 1965, in occasione del 700° anniversario della nascita di Dante, ed è stato ora ripreso proprio per le celebrazioni dantesche nel settecentenario della morte. Al suo esordio, in prima esecuzione assoluta a Parigi, fece scalpore e scandalo. Oggi, oltre mezzo secolo dopo, bisogna onestamente riconoscere che questo pezzo di Luciano Berio è da considerare un capolavoro della musica novecentesca, da affiancare al Pierrot Lunaire di Schönberg, alla Lulu di Berg, e anche alle migliori performance di Nono e Sciarrino e dei predecessori italiani di questi grandi contemporanei. Teatro Comunale Abbado non completamente riempito dal pubblico. Ma chi, fra gli abbonati, è rimasto a casa ha perso una bella occasione.   Crediti fotografici: Eric Marinitsch e Fabio Mantegna per Ferrara Musica Nella miniatura in alto: il compositore Luciano Berio Sotto: i fotografi Roberto Masotti e Silvia Lelli e il direttore Marcello Panni Condividi

Pubblicato il 17 Ottobre 2021 Ottimo cast ed eccellente direzione d'orchestra suggellano una serata trionfale nel Regio di Parma Grande Boccanegra anche in concerto servizio di Simone Tomei

PARMA - Prima di parlare del Simon Boccanegra di Giuseppe Verdi al Teatro Regio di Parma  nell’ambito del XXI Festiva Verdi, vorrei riproporvi un superbo “monologo” di Giorgio Strehler che narra le proprie impressioni in qualità di regista del celebre allestimento scaligero del 1971: «... Ogni volta che mi succede di parlare del teatro, soprattutto di un fatto al quale ho partecipato direttamente, ogni volta che devo spiegare o introdurre qualcosa, provo una specie di senso di inutilità, perché sono convinto che il teatro, come del resto qualsiasi fatto d’arte, deve spiegarsi da solo, deve farsi capire da se stesso e basta. E anche perché sono sicuro che il pubblico, da solo, è sempre molto più pronto a capire e ad assentire di quello che tanti intellettuali credono con tutti i loro commenti a priori e a posteriori. Se perciò parlo oggi del Simon Boccanegra lo faccio un po’ come un prologo al suo prologo, più che altro rileggendo ad alta voce alcune riflessioni che mi sono servite a suo tempo per iniziare il mio lavoro su quest’opera di Verdi, su questa grande opera di Verdi per molto tempo, per troppo tempo misconosciuta. Forse, la prima cosa che mi ha aiutato a capire meglio questo misterioso Simon Boccanegra è stato il coraggio di accettarlo così com’è, cioè appunto come una cosa piena di mistero. Accettare cioè tutte le imprecisioni del racconto o l’incredibile del racconto, accettare la sua nebulosità prospettica, accettare anche l’incredibile del racconto, azione e storia e politica e vita che ne costituiscono la trama, una trama per certi aspetti forse non raccontabile, anche se è necessario, almeno questa sera, segnare alcuni punti di riferimento all’azione, ma saranno soltanto punti di riferimento, perché il Simon Boccanegra è un grande, complicato, artisticamente ordinato disordine, come la vita insomma, in cui risalta il movimento oscuro della storia, in cui le parti, i partiti o le fazioni si muovono, si contrastano, si dividono, si riuniscono, per poi dividersi ancora, non in una dialettica semplicistica, ma in un continuo scontro complesso, e quasi inafferrabile, in cui gli esseri umani vivono la loro avventura, sia come parti della storia di tutti, ma anche come attori della loro vita privata.         Ecco, il pubblico e il privato mescolati insieme stretta- mente, la storia da una parte e l’uomo solo dall’altra, sono questi, secondo me, i veri protagonisti, con tutte le loro contraddizioni e le loro incertezze, del Simon Boccanegra. Sono nobili e plebei, ricchi e poveri, ieri come oggi, che si contrastano in una Genova che è una città vera, ma è anche una città d’opera e nel medesimo tempo potrebbe essere anche una specie di palcoscenico ideale della storia di tutti i tempi. Su questo palcoscenico il potere appare al tempo stesso come un punto da raggiungere, ma anche come un prezzo altissimo da pagare. C’è un plebeo, per esempio, innalzato quasi contro il suo volere ad una carica suprema che vive tutte le contraddizioni del potere e che soccombe nel gestire questo pesante potere, che quasi si simbolizza per lui nel grande manto regale che l’avvolge e che egli abbandona, che egli getta via alla fine, prima di morire, quasi per ritrovare se stesso. C’è l’odio, c’è molto odio in quest’opera, come c’è molto amore. C’è un odio antico, un odio duro, un odio fanatico: quello che divide le famiglie, che divide le fazioni, che divide gli uomini e che separa senza speranza due uomini giovani, e poi vecchi, prima che tra di loro riesca a nascere quella meravigliosa pianta che è la pietà, ma nasce quando è troppo tardi. E anche l’amore qui riesce difficile, persino l’amore paterno e filiale, perché i padri e i figli e le figlie non si riconoscono più, non sanno più riconoscersi e quando si riconoscono, si ritrovano, ormai, il loro tempo è passato. C’è anche il faticoso tentativo di dare una vita scenica e plastica ad una democrazia, c’è l’aspirazione vivissima ad una unità nazionale, fu questo, lo sappiamo, un grande sogno di Verdi. E nel Simone c’è la sete e l’orgoglio del potere, ma anche la grande stanchezza e il grande senso di inutilità del potere, la ricerca di una giustizia e quindi anche l’inevitabile incontro con l’ingiustizia, c’è l’amore e c’è la pena. Insomma, in quest’opera balenante, quasi alla rinfusa, mi sembra che sono racchiuse molte cose della vita che possono parlare ancora a noi uomini d’oggi perché i caratteri dell’avventura umana, nel fondo, non mutano, sono di ieri e di sempre. E poi, al di là di questa storia teatrale, al di là cioè del libretto, c’è qualche cosa che rileva ogni incertezza, che à contorno e carne ad ogni schema, nello slancio impetuoso dell’ispirazione del cuore, e questo qualcosa è la musica. La musica di un Verdi qui quanto mai grande e quanto mai complesso, complesso ma non complicato: i grandi agiscono sempre per rendere più limpidi e comprensibili i fatti che sono più oscuri, sono soltanto i piccoli che intorbidano e complicano le cose. E qui Verdi con la massima perentorietà e con la massima semplicità risolve in musica qualsiasi perplessità, qualsiasi cedimento della parola. Qui Verdi innalza veramente con la musica la storia e i piccoli e i grandi uomini che la fanno ad una misura universale che ancora oggi non può non scuoterci e non commuoverci. Ecco, allora io, regista di teatro, vorrei dire agli altri questa sera di fare alla fine quello che in certe ore di incertezza sulla trama, sulle parole, sulle situazioni drammatiche di quest’opera, come di tutte le opere che ho allestito, ho fatto io: cioè di ascoltare, ascoltare semplicemente, con amore e con umiltà la musica. E, per quanto mi riguarda, ascoltare cercando di far il meno possibile, di disturbare il meno possibile la musica... » Considero affascinante questa descrizione dell’opera e la rileggo ogni volta che mi accingo a seguirla in teatro. In queste parole si trovano sia l’essenza dell’opera, sia il significato più profondo della musica, delle parole, dei sentimenti. Con questo spirito nel cuore mi sono lasciato trasportare nella visione e nell’ascolto di un capolavoro che sprizza davvero emozioni da ogni singola nota. La musica è ovunque onomatopeica: richiama tanto la soave brezza marina quanto l’implacabile odio che alberga nel cuore di Fiesco, rende palpabili i sentimenti del protagonista, uomo di pace e “duce” politico (che si divide fra potere di Stato e amore paterno), ed evidenzia le torbide trame di Paolo, per giungere a quel senso di morte che piano piano annienterà la vita del Doge genovese. Pur mancando nel Regio di Parma la scenografia - in quanto l’esecuzione si è svolta in forma di concerto - il direttore Michele Mariotti non ha affatto tradito questa missione, anzi, l’ha amplificata con una lettura davvero attenta e meditata, non dando per scontato nulla, impreziosendo di carisma e fascino ogni nota di ciascuno strumento con suadenti respiri e concitati affanni. L’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna è stata pronta a recepire le direttive impartite e la tavolozza dei colori si è imperlata come iride incandescente sottolineando con eleganza ogni pagina della partitura. Questa constatazione di Anselm Gerhard coglie ancor più l’animus dell’opera: «... i melomani più accaniti sono unanimi nel loro giudizio: davanti a Simon Boccanegra non possono trattenersi dal dimostrare il loro entusiasmo. L’amore incondizionato degli affezionati verdiani si spiega probabilmente grazie ai pregi peculiari dell’opera: dopo la vasta revisione del 1881, infatti, la partitura risulta da un lato non meno sfaccettata di quella di Otello, ma dall’altro piena di melodie di immediata cantabilità al pari di quelle di Rigoletto...» Perché avvenga questo sono indispensabili grandi voci che nella serata del 16 ottobre 2021 si sono dimostrate tali da formare una compagnia di artisti di grandissimo livello. Igor Golovatenko nel ruolo eponimo è la vera sorpresa della serata; un baritono con un timbro cristallino e nitido che non ha perso in nessuna momento l’opportunità di far emergere le sfaccettature di un uomo diviso tra amore e politica. Un arcobaleno di colori per imprimere i sentimenti dell’amore, della disperazione e dell’ira sempre ben appoggiati su una parola molto nitida - nonostante l’origine russa - ed uno scavo del personaggio davvero approfondito. Le movenze accurate del corpo ed i gesti delle mani hanno sopperito amabilmente alla mancanza di una forma scenica ed il pubblico lo ha premiato con copiose ovazioni. Non fatica negli acuti; e nelle note più gravi ha l’ampiezza necessaria per restituire ogni suono con lucente vivacità. Emozionante la parola Figlia al termine del duetto con Amelia Grimaldi; su quel Fa acuto acuto sono scaturiti con profonda intensità i più grandi sentimenti d'amore. Angela Meade nel ruolo di Amelia Grimaldi - in realtà Maria Boccanegra - costruisce ogni frase con cesellata cura; sa gestire le dinamiche sonore trasformandole in sentimenti che ben traspirano dalla sua voce. Come in quest’ora bruna e Vieni a mirar la cerula sono arie che richiedono un canto molto legato a fior di labbra con delle bellissime agilità in acuto che inducono a ricordare note belcantiste effettivamente ben riuscite. Un piccolo neo posso additarlo per un’espressività mimica che spesso rimane in sordina e velata da uno sguardo ed un atteggiamento sempre più attento allo spartito che non al lasciarsi andare ad un’emotività psico-fisica. Una grande rivelazione è stata l’ascoltare con piacere il Gabriele Adorno di Riccardo Della Siucca; un giovane tenore proveniente dall’accademia de La Scala che si è cimentato in un ruolo non affatto facile riscuotendo un grandissimo successo. La voce nitida e la dizione impeccabile hanno fatto sì che la restituzione di ogni nota fosse sempre in linea con le intenzioni ed i gesti del direttore. Nell’aria di sortita fuori scena Cielo di stelle orbato, ha dimostrato davvero di che pasta era fatto ed ha sigillato con la ceralacca una serata in spolvero con l’aria più drammatica del secondo atto, Sento avvampar nell’anima... cielo pietoso rendila, dove è riuscito a trasmettere fino in fondo il patema d’animo che stava vivendo il suo personaggio. In una lettera a Giulio Ricordi, Verdi scriveva riferendosi al personaggio di Fiesco: « deve avere una voce d’acciajo » e Michele Pertusi nei panni del “primo basso profondo” - dizione che compare nella locandina del 1857 -, è stato un’altra eccellenza della serata; nel lungo cammino che dal Prologo conduce all’epilogo, ha interpretato le intenzioni del Cigno di Busseto con grande professionalità e consolidato mestiere. Qui troviamo voce, gestualità e “ars scenica” - pur essendo in concerto - di grande lignaggio. Dalle drammatiche note iniziali, agli accenti più brutali legati ai sentimenti di odio, per poi rientrare con inflessioni pacate votate al perdono sul finale del dramma, la voce è andata di pari passo con le emozioni del personaggio, facendoci viaggiare in uyn vero uragano di emozioni. Intensa e molto accurata l’interpretazione di Sergio Vitale per il ruolo di Paolo Albiani: un prologo in sordina riflessivo e sornione come la sua ricerca bieca del potere; una tempesta di suono nel primo e secondo atto dove le doti di eccellente interprete non hanno faticato ad emergere. Sicuro e attento ad ogni singolo accento anche Andrea Pellegrini nei panni di Pietro che ha fatto da degna spalla al compare Paolo interpretato da Vitale. A completamento del cast altri due eccellenti artisti per i ruoli di fianco: Federico Veltri uno nitido e squillante Capitano dei Balestrieri e Alessia Panza quale Ancella di Amelia. Il Coro del Teatro Comunale di Bologna - preparato e diretto dal M° Gea Garattini Ansini - affacciato ad una balconata emiciclica che sovrastava il palcoscenico, ha restituito una prova davvero intensa riuscendo ad imporsi come “personaggio” in tutti i difficili passaggi. Applausi ed ovazioni per tutti senza riserve. Crediti fotografici: Roberto Ricci per il Teatro Regio di Parma Nella miniatura in alto: il baritono Igor Golovatenko eccellente Boccanegra Sotto in sequenza: Federico Veltri (Capitano dei Balestrieri); Alessia Panza (Ancella di Amelia); Sergio Vitale (Paolo Albiani); Andrea Pellegrini (Pietro); Riccardo Della Sciucca (Gabriele Adorno); Angela Meade (Amelia Grimaldi); Michele Pertusi (Fiesco); Michele Mariotti (direttore) Al centro: ancora il baritono Igor Golovatenko (Simon Boccanegra) Sotto: panoramica di Roberto Ricci    Condividi

Pubblicato il 07 Ottobre 2021 Ottima prosecuzione della Trilogia d'Autunno con lo spettacolo di Micheletti nel Teatro Alighieri Faust rapsodia dal cielo all'inferno servizio di Attilia Tartagni

RAVENNA - Dunque sia Robert Schumann che Johann Wolfgang Goethe furono affascinati dal mito di Faust e lasciarono ai posteri due opere incomplete: lo rivela  Luca Micheletti, direttore artistico della Trilogia d’Autunno 2021 dedicata a Dante Alighieri nel settecentesimo anniversario della morte, che le ha riprese entrambe, le ha elaborate in un unico progetto e ne ha curato la regia dando luogo al nuovo e sorprendente Faust rapsodia – Dal ciel sino all’inferno, seconda tappa della Trilogia ravennate fondata sul connubio Danza, Musica, Parola. Lo spettacolo avrebbe dovuto vedere la luce l’anno scorso, ma la pandemia lo bloccò sul nascere. Esso si  nutre di un progetto ambizioso e innovativo che reca in ogni quadro la firma stilistica del suo fautore e regista, Luca Micheletti, musicista e attore discendente di una famiglia di lunga tradizione nel teatro popolare, diventato regista  teatrale di successo (premio UBU 2011 e premio internazionale Pirandello 2015), poi scopertosi baritono di ottimo livello e infine regista d’opera. Nello spettacolo Faust rapsodia ravennate, emulo moderno di Dante nel suo viaggio di conoscenza, ha messo tutto il suo background  di uomo di teatro e di musicista per caratterizzare il percorso del protagonista che, come Dante, attraversa gli inferi cedendo la propria anima, salvo trovare anch’egli la redenzione grazie alla donna amata, impersonata dal soprano Elisa Balbo, figura eterea e lunare che può bene rappresentare la pura quattordicenne Margherita. Ella è l’unica a non avere sulla scena un’attrice-doppio e a sostenere da sola il ruolo che la vuole sedotta da orrendi spiriti, streghe e maschere infernali, abbandonata candida sul letto nuziale come nel quadro L’incubo del pittore visionario Johann Einrich Fusslii. Affranta dall’orrida sorte, ella troverà nel dolore la  via della redenzione.   La macchina teatrale è potente e suggestiva e a sorpresa muove decine di umani smarriti e di spiriti maligni, creature malvagie, strampalate maschere della Commedia dell’Arte, sconvolgendo la  scena priva di orpelli inutili e invadendo l’area coperta del golfo mistico, con il cromatismo allucinante delle luci di Fabrizio Ballini che fendono di rosso infernale il blu degli abissi e le scene, sculture e video di Ezio Antonelli, quasi un ripasso della lunga tradizione del teatro dell’arte e della rappresentazione popolare. In fondo quello di Faust è un mito con radici antiche ma più che mai vivo nell’Ottocento, tanto da affascinare un compositore come Schumann sull’orlo della sua nefasta malattia nervosa, che gli dedicò il gigantesco oratorio profano; e anche un poeta come Goethe, conscio di confrontarsi con un tema troppo vasto e complesso per esaurirsi nei suoi versi. Lo svela egli stesso nel prologo, quando nelle vesti del baritono Vito Priante, futuro Faust cantante, seguendo le note di Schumann scandite al pianoforte da Davide Cavalli, si mostra consapevole che occorre “tritare e reimpastare” perché il teatro è fatto di estemporaneità, il gusto del pubblico è mobile ed è vile il mestiere di poeta, sorta di autocritica di Goethe sui limiti del proprio ruolo. Lo spettacolo è nuovo come concezione e come visione: non a caso il pubblico è posto circolarmente nei palchi sullo strapiombo degli inferi, colpito alternativamente, non meno che dal pathos proveniente dalla scena, dalla musica che sprigiona dalla platea interamente occupata dall’Orchestra Giovanile Cherubini e dal M° Antonio Greco, qui a cimentarsi con una superba prova di direzione orchestrale nonché corale; da due anni infatti Greco, apprezzato docente del Conservatorio Verdi ravennate, guida il Coro Luigi Cherubini, che del percorso faustiano ha delineato i momenti più toccanti fino al trionfo finale, dove la luce divina sembra avanzare sul palcoscenico dietro un coro di angeli e con la sua luce eterea finisce per invadere ogni anfratto del teatro inondando anche gli  spettatori. Interpreti di questa avventura, oltre alla mai abbastanza lodata  Elisa Balbo, l’unica che ha strappato applausi a scena aperta, il basso Riccardo Zanellato,  possente  Mefistofele canoro di imponente presenza scenica in contrapposizione al mobile spirito maligno parlato di Roberto Latini, onnipresente Mefistofele, sia che sbuchi da una botola come dagli inferi, che scenda dalla carrozza infernale o che si mimetizzi fra gli umani. Faust della parola è l’attore di lungo corso Edoardo Siravo e il baritono Vito Priante è il suo doppio canoro. Intorno a loro una schiera di ottimi attori  e di bravi figuranti fra cui i DanzActori, presenza costante della Trilogia, confermano che il teatro è il luogo dei sogni e delle metamorfosi, il luogo dove l’assurdo si fa reale. Lo spettacolo teatrale, composito e frastagliato in quanto fusione imperfetta del linguaggio musicale e parlato, ha una liason con «Quanto in femina foco d’amor – Mistero per voci pellegrine», di Francesca Masi da un’idea di Cristina Mazzavillani Muti, proposto alle 19,30 nella Basilica di San Francesco. È la  fluttuante figura velata della danzatrice Sofia Barilli che come un’anima vitale e gioiosa attraversa la basilica scarnificata dalle blande luci quale percorso di pentimento o labirinto dell’inconscio, luogo sacro e insieme teatro letterario e laico. La si ritrova poi sul palcoscenico teatrale quale spettro etereo di una candida e sognante Margherita destinata a perdersi. Tante le voci di creature femminili dantesche, da Matelda a Francesca, da Pia a Cunizza,  con una voce narrante e un ottimo coro,  a sciorinare le proprie pene nel  contesto sacro  che vide i funerali di Dante Alighieri probabilmente celebrati il 15 settembre 1321, a cui il poeta trecentesco Cino da Pistoia, maestro di Francesco Petrarca, dedica questi versi: «… quella savia Ravenna che serba / il suo tesoro, allegra se ne goda, ch’è degna per gran loda.» Così il pubblico nelle tre serate ha fatto un percorso, fra la basilica di San Francesco e il Teatro della città, sulle orme di Dante Alighieri, esule che trovò a Ravenna un humus favorevole alla propria arte, scoprendone, o ritrovandone come chi scrive, ravennate da generazioni, l’essenza multipla e policroma, dove i bei costumi di Anna Biagiotti hanno di certo contribuito al successo di entrambe le “messe in scena”. Fantastico quello rosso di Francesca da Rimini, a sottolineare, nella coralità di anime sofferenti, il suo essere carne viva irrimediabilmente votata all’amore di Paolo. Crediti fotografici: Zani-Casadio per il Teatro Alighieri di Ravenna Nella miniatura in alto: Luca Micheletti Al centro e sotto in sequenza: immagini di Zani-Casadio sulla Faust rapsodia ravennate Condividi

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