Pubblicato il 11 Settembre 2020 Il cantante ancora una volta mattatore nell'anfiteatro di Verona che lo ha visto spesso protagonista Plácido Domingo per l'Arena servizio di Angela Bosetto

VERONA – Quello fra Plácido Domingo e l’Arena è un rapporto che dura da oltre mezzo secolo. Dal 1969 (anno in cui il tenore madrileno debuttò nell’anfiteatro veronese come Calaf e Don Carlo), Domingo in Arena ha interpretato Des Grieux, Cavaradossi, Radamès, Turiddu, Canio, Otello, Nabucco e Germont, ha diretto Aida e Carmen, è stato nominato Direttore artistico onorario del Festival del Centenario (2013) ed è stato il protagonista di numerose serate evento, culminate nel 2019 in Plácido Domingo 50° Arena Anniversary Nigh, secondo maggior incasso dell’intera storia areniana. Era dunque prevedibile che, il 28 agosto, anche il concerto Plácido Domingo per l’Arena (dedicato a Giuseppe Verdi e Umberto Giordano) attirasse un pubblico numeroso, nonostante le avverse previsioni meteo (il che porta spesso a ironizzare – bonariamente, si intende – sul fatto che il rischio di pioggia segua Domingo più fedelmente dei qualunque suo fan), gli annosi dibattiti riguardanti la sua vocalità (indiscutibilmente tenorile a dispetto dell’attuale repertorio baritonale) e l’invito del movimento #MeToo a boicottarne le esibizioni in seguito alle accuse di molestie (questione che non affronteremo, dal momento che i processi non si fanno sui media, ma in sede legale alla presenza di autorità competenti). E così, puntualmente, è avvenuto. Tutto il resto può cambiare, ma l’amore del pubblico areniano per Domingo (già prenotato per l’estate 2021) no, non cambia. Alla guida dell’Orchestra, il Maestro Jordi Bernàcer ha confermato la propria attenta sensibilità musicale, non solo accompagnando di solisti, ma dirigendo tre preziose pagine strumentali sinora mai proposte in Arena: l’evocativa Sinfonia di Giovanna d’Arco, il raffinato Preludio de I Masnadieri (durante il quale ha avuto occasione di splendere il primo violoncello Sara Airoldi) e l’appassionato Intermezzo di Fedora. Al contrario di quanto annunciato sulla carta, Domingo ha deciso di eseguire all’inizio «Nemico della patria» (Andrea Chénier) e alla fine «Per me giunto è il dì supremo… O Carlo, ascolta» (Don Carlo). Una scelta oculata che gli ha permesso di ghermire subito il palco grazie all’impetuoso monologo di Carlo Gérard e di affrontare quindi la celeberrima morte di Rodrigo con la voce opportunamente ammorbidita e “riscaldata” (non solo dall’emozione). Anche se gli strumenti canori non sono più – comprensibilmente – quelli di una volta, l’indubbio carisma e le forti doti espressive continuano a permettergli di veicolare emozioni genuine e di toccare l’animo degli spettatori. Chiamata ad affiancare il superdivo, il soprano Saioa Hernández si è calata nei panni di Maddalena di Coigny («La mamma morta») e di Leonora («Tacea la notte placida»), per poi duettare con Domingo negli accesi confronti de Il Trovatore («Udiste?... Mira, d’acerbe lagrime… Vivrà! Contende il giubilo») e La Traviata («Madamigella Valéry?... Pura siccome un angelo... Un dì, quando le veneri... Dite alla giovine sì bella e pura... Morrò! La mia memoria»). La voce della Hernández risuonava bella e generosa, ricca di armonici e colori, luminosa ma al contempo brunita. Visto che l’opera italiana era già stata omaggiata con il programma ufficiale, i bis sono stati dedicati alla zarzuela spagnola: la romanza sopranile «¿Qué te importa que no venga?» (da Los claveles di Josè Serrano), il duetto «¿Me llamabas, Rafaeliyo?» (da El gato montés di Manuel Penella) e, naturalmente, «No puede ser» (da La tabernera del puerto di Pablo Sorozábal), aria irrinunciabile per qualunque tenore ispanico, Domingo in primis. Successo pieno per tutti. Crediti fotografici: Ennevi Foto per la Fondazione Arena di Verona Condividi

Pubblicato il 12 Agosto 2020 Altro stimolante doppio appuntamento concertistico all'Arena di Verona per il festival 2020 Wagner in Arena - Verdi Gala servizio di Angela Bosetto

VERONA – «Verdi e Wagner! Due nomi, due civiltà, la latina e la germanica; due distinte concezioni delle finalità che il teatro può e deve raggiungere nella estrinsecazione di un ideale d’Arte: l’umanità nella realtà della vita vissuta, in uno; l’umanità attraverso il simbolo e la leggenda, nell’altro.» Con queste parole il musicista e musicologo Giovanni Tebaldini presentava nel 1941 i due giganti rivali del romanticismo europeo. «Geni entrambi: indubbiamente!», eppure capaci di dividere i melomani in due tifoserie contrapposte, dove gli uni ironizzano sullo «zumpappà» di Giuseppe Verdi e gli altri non perdono occasione per affermare che Richard Wagner «regala bellissimi momenti, ma anche terribili quarti d’ora». A coniare tale sentenza fu in realtà Gioachino Rossini, al quale va attribuita pure la celebre frase «Non si può giudicare il Lohengrin dopo un primo ascolto ed io non intendo certamente ascoltarlo una seconda volta.» Paradossalmente, spostandosi all’interno della storia dell’Arena, è proprio Lohengrin l’unica opera wagneriana a essere stata rappresentata in quattro diverse edizioni del festival lirico (dal 1922 al 1963, mentre Parsifal, 1924, I maestri cantori di Norimberga, 1931, Tannhäuser, 1938, e La Valchiria, 1950, si sono fermate a una singola estate), manifestazione della quale il cigno di Busseto è invece l’autore per eccellenza. Riportare Wagner in Arena (affiancandone il gala a quello del suo eterno «rivale» Verdi) significa riconoscergli il posto che gli spetterebbe di diritto, anche se (parola del Peppino nazionale) «per quanto brillanti e abbaglianti siano gli squilli di tromba di Bayreuth, non potranno mai soffocare la voce di Rigoletto, Violetta o Otello.» Wagner in Arena – 7 agosto 2020 Sulla carta gli elementi per una serata d’eccezione c’erano tutti: due interpreti doc di Richard Wagner come il direttore d’orchestra Gustav Kuhn e il soprano Ricarda Merbeth (diva di Bayreuth, accolta dai suoi estimatori con copiosi applausi) e un compendio di Greatest Hits wagneriane capace di soddisfare tanto il pubblico generalista quanto gli appassionati del grande compositore, i quali (a dispetto della loro arcinota pignoleria) possono “perdonare” un programma semplice a patto di ascoltare delle esecuzioni impeccabili. Invece, per quanto si tratti di un appuntamento senza dubbio significativo, nel tanto atteso gala wagneriano non tutto fila per il meglio, a cominciare dal pubblico, cordiale e generoso, ma decisamente più esiguo (e, potremmo azzardare, anche più timido) rispetto alle altre serate, come se Wagner in Arena fosse un evento a cui approcciarsi con la cautela che si riserva a qualcosa di imprevisto. L’altro aspetto da tenere in considerazione è la necessità di coniugare l’eroico titanismo wagneriano alle esigenze di un’orchestra dalla professionalità indiscutibile, ma non abituata a eseguire regolarmente questo tipo di repertorio e certo non facilitata sia dalla dislocazione obbligatoria, sia dal numero limitato di prove. E così, dopo un’encomiabile resa dell’Ouverture de L’olandese volante (Der fliegende Holländer), purtroppo emergono alcune pecche sonore in quelle de I maestri cantori di Norimberga (Die Meistersinger von Nürnberg) e del Tannhäuser. La prudente concertazione di Kuhn finisce per mettere il freno anche alla celeberrima Cavalcata delle Valchirie (Walkurenritt), in cui la furia dirompente della galoppata immortale cede il posto a un controllato dressage, sebbene l’Orchestra e le luci di Paolo Mazzon (già evocatrici dei flutti del mare norvegese) facciano di tutto per restituire un mondo perduto di dei, eroi e campi di battaglia, luoghi in cui le nove figlie di Odino cercano e raccolgono i corpi dei prodi da condurre nel Valhalla. Chi non conosce esitazioni o tentennamenti è Ricarda Merbeth, la quale, forte di una voce smaltata e poderosa coniugata a un sensibile fraseggio, si produce in due dei momenti più felici della serata: l’accorata ballata di Senta («Johohoe!... Traft Ihr das Schiff im Meere an» dal secondo atto dell’Olandese volante) e nello struggente Liebestod di Isotta («Mild und Leise» dal terzo atto di Tristan und Isolde), quest’ultimo bissato insieme alla Walkurenritt. Insomma un rinnovato rapporto fra Wagner e l’Arena non solo è possibile, ma altamente auspicabile, al di là del fatto che vada ricucito con dedizione e pazienza. Tuttavia la prima pietra di un nuovo cammino è posta e tanto basta per esser grati alla Fondazione e all’Orchestra del coraggio e dell’impegno. Come recita il proverbio, la cosa più difficile è iniziare, il resto è una questione di perseveranza. Verdi Gala – 8 agosto 2020 Trionfo doveva essere e trionfo è stato: due ore ininterrotte di concerto a ribadire lo status di incrollabile «feudo verdiano» dell’Arena (il pubblico è quello delle grandi occasioni e la bacchetta, non a caso, appartiene al veterano Daniel Oren, che calca il podio dell’anfiteatro veronese da 36 anni consecutivi) e l’ottima salute delle voci italiane votate al cigno di Busseto, complici la raffinata eleganza tenorile di Francesco Meli, la celestiale dolcezza sopranile di Eleonora Buratto e il saldo orgoglio baritonale di Luca Salsi, tutti ultra applauditi e salutati con autentiche ovazioni. Come già accaduto nella Verdi Opera Night del 2018, il Verdi Gala inizia ufficialmente con la Sinfonia orchestrale de La forza del destino (meglio nota fra i superstiziosi come «l’Innominabile») e, nonostante la cupa fama che circonda l’opera, tutto fila liscio: i comparti orchestrali dialogano magnificamente e le accorte dinamiche scelte dall’esperto Oren enfatizzano tutta la grandiosità di un’Ouverture che sprigiona ogni elemento musicale dell’intera partitura. Il primo segmento vocale appartiene a Don Carlo (titolo di prammatica per le risapute capacità del collaudato duo Meli-Salsi), dal duetto «È lui! desso... L’Infante!» alla commovente morte del fedele amico Rodrigo («O Carlo, ascolta»), passando per l’aria di Elisabetta «Tu che le vanità», che rivela da subito la cristallina caratura interpretativa di Eleonora Buratto. Il tempo di un tributo a Simon Boccanegra («O inferno!... Cielo, pietoso, rendila» che conferma Meli un Gabriele Adorno doc) ed arriva il momento di portare in Arena una delle rare opere verdiane mai rappresentate all’interno dell’anfiteatro, ossia Luisa Miller, omaggiata con la preziosa Sinfonia e il toccante duetto fra padre e figlia «Luisa! Figlia mia! ... Andrem, raminghi e poveri» (eseguito da un partecipe Salsi e da una luminosa Buratto). A un duetto d’affetto si risponde con uno d’amore ed ecco quindi «Già nella notte densa», in cui le voci di Meli/Otello (non più condottiero, ma uomo innamorato) e Buratto/Desdemona si intrecciano con eleganza e ardore. Prima di concludere ufficialmente il concerto con il fiammeggiante e superbo terzetto del Trovatore «Tace la notte!... Deserto sulla terra… Di geloso amor sprezzato», ciascuno dei solisti sceglie un singolo brano con cui congedarsi al meglio dal pubblico. Salsi opta per l’invettiva di Rigoletto «Cortigiani, vil razza dannata» (alla quale è ormai avvezzo), mentre Meli e la Buratto attingono entrambi a Un ballo in maschera, lei con la drammatica aria di Amelia «Morrò, ma prima in grazia», lui con la scena e la romanza di Riccardo «Forse la soglia attinse... Ma se m’è forza perderti», specchio delle sue doti di fraseggiatore capace di scolpire con sentimento ogni parola. Ma una serata verdiana non può dirsi completa senza Coro, tanto più se, come quello areniano (preparato dal M° Vito Lombardi), con Verdi va a nozze. Dopo la comune preghiera «O Signore, dal tetto natìo» (da I Lombardi alla prima crociata), le voci maschili affrontano con virile nobiltà «Si ridesti il leon di Castiglia» (Ernani), mentre quelle femminili evocano le streghe di Macbeth («Che faceste? Dite su!»), prima di riunirsi in uno dei loro cavalli di battaglia: «Va’, pensiero» (da Nabucco), ottimamente eseguito e rigorosamente bissato (previo severo ammonimento di Oren) senza precoci applausi a coprirne le ultime, impalpabili note.   Crediti fotografici: Ennevi Foto per la Fondazione Arena di Verona Nella miniatura in alto: il direttore Gustav Kunn Sotto: il soprano wagneriano Ricarda Merbeth Nella miniatura al centro: il direttore Daniel Oren Al centro in sequenza: Francesco Meli; Eleonora Buratto; Luca Salsi; e i saluti finali dei protagonisti del Verdi Gala In fondo: una bella panoramica di Ennevi Foto dell’Arena di Verona dall’alto Condividi

Pubblicato il 04 Agosto 2020 Partita con successo la prima edizione dei concerti che Livorno ha dedicato al suo compositore Lunga serata apre il Mascagni Festival servizio di Simone Tomei

LIVORNO - Il Mascagni Festival 2020 avrà il suo clou nel prossimo mese di settembre, ma già la sera del 2 agosto 2020 abbiamo avuto un primo assaggio proprio in occasione del 75° anniversario dalla morte del compositore livornese. Con gli occhi dove un’anima sognava è stato il titolo di questo primo concerto lirico che ha fatto da apripista alla kermesse settembrina nella splendida cornice della Fortezza Nuova di Livorno. La luna piena e qualche refolo di vento hanno reso la serata gradevole da un punto di vista climatico e ci siamo quindi immersi volentieri in questo viaggio nella vita musicale e privata di Pietro Mascagni. Il programma, estremamente lungo sotto ogni punto di vista, ha voluto rendere pieno omaggio al compositore del quale sono state eseguite, in rigoroso ordine cronologico, arie o duetti da ciascuna opera composta. Una prolusione di Fulvio Venturi ha contestualizzato la vita artistica di Mascagni non solo nel contesto musicale, ma in quello delle arti in generale mettendo in luce la sua visione futurista e anticipatoria con quella legata alla tradizione e alla storia passata. Due brave voci recitanti, Andrea Gambuzza e Ilaria Di Luca hanno intervallato le innumerevoli arie con una recitazione di alcune lettere tratte dall’epistolario mascagnano; di queste, tutte interessanti, la chiosa si è rivelata quella che in toscanaccio si può considerare la zampata del maiale in cui si è voluto andare a cercare ambiti e legami con il regime fascista dello stesso Mascagni, ma, a mio avviso, scegliendo testi e situazioni piuttosto grevi e non adatti al contesto. Sul versante musicale il primo plauso va attribuito soprattutto alla pianista Laura Pasqualetti che con grandissima professionalità, preparazione e spirito di servizio al cantante ed alla partitura ha accompagnato tutta la serata in un tour de force piuttosto intenso. Da Cavalleria rusticana, Amico Fritz, I Rantzau, passando per Gugliermo Ractliff, Le Maschere, Amica ed Iris, siamo approdati alle opere della vecchiaia come il Piccolo Marat, Pinotta e Nerone. C’è da dire che ascoltando per la prima volta certi brani, ho avuto come prima sensazione quella di smarrimento e la sempre maggiore consapevolezza che le doti compositive di Mascagni difettassero di acume e tecnica nello scrivere per le voci. Talune arie, eseguite raramente, è giusto farle riemergere dall’oblio solo per una squisita connotazione musicologica; talaltre, seppur sconosciute, hanno un sapore di piacevolezza già al primo ascolto. La produzione del livornese è varia ed eterogenea, ma per alcuni motivi - se non addirittura per certe opere intere - l’oblio credo rimanga l’unica scelta e l’unica alternativa possibile. Gli interpreti si sono disimpegnati in questo non facile cimento ed a tutti va riconosciuto il merito di aver affrontato con grande professionalità l’impervia e talvolta scriteriata scrittura mascagnana. Li ricordo tutti con grande piacere e plauso: Maria Billeri e Francesca Maionchi (soprani), Rossana Rinaldi (mezzosoprano), Samuele Simoncini (tenore), Sergio Bologna (baritono). Successo per tutti con plauso di una sala sotto le stelle agostane. Sold out per questo primo  concerto alla Fortezza Nuova. Crediti fotografici: Ufficio stampa del Mascagni Festival di Livorno Nella miniatura in alto: la pianista Laura Pasqualetti Sotto: due splendide panoramiche del concerto e della Fortezza Nuova Condividi

Pubblicato il 03 Agosto 2020 Continua con successo la serie di grandi appuntamenti musicali all'Arena di Verona Mozart Requiem - Le Stelle dell'Opera servizio di Angela Bosetto

VERONA - Commemorare la morte per tornare insieme “a riveder le stelle” e  riuscire così a celebrare nuovamente la vita. Questo il filo conduttore dei due appuntamenti areniani che, dopo il gala inaugurale (leggi qui la recensione), hanno sancito il passaggio dal mese di luglio a quello di agosto. Un dittico all’apparenza anomalo (la simbolica Messa di requiem in Re minore K 626 di Wolfgang Amadeus Mozart e la festosa serata evento Le Stelle dell’Opera), ma unito dalla luna, dalla carismatica bacchetta del maestro Marco Armiliato e dall’implicita necessità tanto di fare i conti con i lutti causati dalla pandemia, quanto di tornare a gioire della musica lirica con spirito che possa finalmente sentirsi libero (almeno per la durata di un concerto), di volare oltre le gabbie dei dubbi, delle paure e delle preoccupazioni per un futuro incerto. Ed è così che l’Arena di Verona è divenuta uno scrigno di anime: le anime di chi si trovava all’interno dell’anfiteatro (sia come spettatore, sia come artista), di chi era presente solo con il pensiero e di chi, usando il gergo alpino, è “andato avanti”. Tutte indissolubilmente unite “sull’ali rosee” della musica, «l’arte gentile, la primigenia figlia del cuore umano, nata col primo amore, col primo dolore» (Ambrogio Bazzero). MOZART Requiem - 31 luglio 2020 «Vorrei seguire il vostro consiglio, ma come riuscirvi? Ho il capo frastornato, conto a forza, e non posso levarmi dagli occhi l’immagine di questo incognito. Lo vedo di continuo esso mi prega, mi sollecita, ed impaziente mi chiede il lavoro. Continuo, perché il comporre mi stanca meno del riposo. Altronde non ho più da tremare. Lo sento a quel che provo, che l’ora suona; sono in procinto di spirare; ho finito prima di aver goduto del mio talento. La vita era pur si bella, la carriera s’apriva sotto auspici tanto fortunati, ma non si può cangiar il proprio destino. Nessuno misura i propri giorni, bisogna rassegnarsi, sarà quel che piacerà alla provvidenza, termino, ecco il mio canto funebre, non devo lasciarlo imperfetto.» Così, nel settembre 1791, Mozart avrebbe scritto (il condizionale è d’obbligo visto che l’autenticità di tale lettera è tuttora fonte di dibattito, al pari dell’identità del misterioso committente) all’amico librettista Lorenzo Da Ponte a proposito del Requiem, forse intuendo già che la sua morte, avvenuta il 5 dicembre dello stesso anno, avrebbe condannato il componimento all’eterna incompiutezza. Eppure, per quanto sia stata successivamente terminata da Franz Xaver Süssmayr, è proprio il sentimento di sospensione che pervade la Messa di requiem in Re minore K 626 la chiave per spalancare quell’indefinibile orizzonte che, citando Grażyna Miller, si staglia fra la vita e la morte. Chiamato a portare per la prima volta in Arena l’ultimo capolavoro di Mozart, il M° Armiliato conferisce alla concertazione una sensibilità spirituale che riesce a coniugare la grandiosità della composizione all’intimo raccoglimento che si addice a una serata concepita per ricordare le vittime del Covid-19. L’orchestra areniana risulta sempre nitida e partecipe, così come (grazie al Tuba mirum e al Recordare) emerge con elegante precisione il quartetto di solisti, composto dal soprano Vittoria Yeo, dal mezzosoprano Sonia Ganassi, dal tenore Saimir Pirgu e dal basso Alex Esposito. Ma, l’anello portante dell’esecuzione (in senso letterale e figurato, vista la distribuzione dei sui componenti) è il Coro areniano, preparato come sempre dal M° Vito Lombardi, che affronta e vince la sfida con una professionalità e una dedizione invidiabili, dato che la posizione circolare (l’unica che permette di rispettare il distanziamento sanitario) è una soluzione visivamente suggestiva, ma tutt’altro che facile dal punto di vista canoro. Fra le pietre secolari dell’Arena, si snodano così l’adagio Requiem aeternam (l’unica parte interamente firmata da Mozart) e l’allegro Kyrie (coro), la Sequentia (all’interno della quale si stagliano il maestoso Dies irae, il grave Rex tremendae, l’andante Confutatis e il celeberrimo larghetto Lacrimosa), l’Offertorium, il Sanctus, il Benedictus, l’Agnus Dei e la Communio (Lux aeterna). Difficile trattenere la commozione da parte di un pubblico tanto caloroso quanto numeroso (senza contare le varie autorità cittadine, dal sindaco al vescovo, e provinciali), premiato alla fine con un fuori programma mozartiano (l’Ave Verum Corpus K 618) e due bis, ossia il Dies Irae e il Lacrimosa (divenuto il simbolo popolare dell’intero Requiem, nonostante Mozart ne abbia scritto solo le prime otto battute). Le Stelle dell’Opera - 1° agosto 2020 Si scrive Le Stelle dell’Opera, si legge Anna Netrebko & Friends. Difatti la superstar russa è il fulcro attorno a cui si articola l’intero gala, da un direttore che sa valorizzare al massimo la diva (Marco Armiliato) a un cast composto da artisti che si sono già brillantemente esibiti in numerose occasioni insieme al soprano originario di Krasnodar. Con il Prologo di Pagliacci di Ruggero Leoncavallo (“Si può? Si può?”), apre le danze il baritono Ambrogio Maestri, beniamino dell’Arena che conferma le proprie capacità mimiche, vocali e comunicative, mentre il mezzosoprano Ekaterina Gubanova inaugura l’ampio segmento dedicato a Giuseppe Verdi eseguendo con trasporto la canzone di Azucena “Stride la vampa” (da Il Trovatore). È quindi il turno del tenore Yusif Eyvazov, che affronta la scena e la romanza di Riccardo di Un ballo in maschera (“Forse la soglia attinse…. Ma s’è m’è forza perderti”) con intima partecipazione e raccoglimento. Il timbro è sempre peculiare, ma la pronuncia linguistica ottima e la crescita artistica innegabile. Giunge finalmente al centro dell’anfiteatro la tanto attesa Anna Netrebko, la quale si produce in un “Tu che le vanità” da autentica tigre del palcoscenico; il piglio risulta più vicino a Turandot che a Elisabetta di Valois, ma l’espressività è impetuosa e il pubblico va in visibilio. Il tempo dell’emozionante Sinfonia de I vespri siciliani (opera per altro mai eseguita in Arena, dettaglio che ne rende l’ascolto assai prezioso, complici l’ispirata direzione di Armiliato e la splendida prova dell’Orchestra) e si torna a Don Carlo grazie all’aria della Principessa di Eboli “O don fatale, o don crudel”, che trova adeguata corrispondenza nel timbro grintoso della Gubanova. Eyvazov dimostra di non temere la cupa fama che circonda La forza del destino (titolo che in Arena è sinonimo di incidenti) e risolve con commovente adesione “La vita è inferno all’infelice…. O tu che in seno agli angeli”, prima di lasciare nuovamente i riflettori alla Netrebko, che si serve della sortita di Adriana Lecouvreur (“Io son l’umile ancella”) per ribadire tanto il proprio indiscutibile status di primadonna quanto la capacità di esibire raffinatezze canore da consumata stilista. La briosa sinfonia donizettiana di Don Pasquale spiana la strada al primo duetto: “Quanto amore! Ed io spietata” (da L’elisir d’amore) che spalanca una porta nel passato, riportando la Netrebko ai tempi in cui era un’Adina di riferimento (pepata e leggiadra), amabilmente spalleggiata dall’irresistibile complice Dulcamara/Maestri. La serata si conclude ufficialmente sulle note del capolavoro di Umberto Giordano, Andrea Chénier, al quale il tenore azero attinge per l’Improvviso (“Un dì all’azzurro spazio”), Ambrogio Maestri per il tormento introspettivo di “Nemico della patria” e la coppia Netrebko-Eyvazov per il travolgente duetto finale “Vicino a te s’acqueta”, che li vide trionfare insieme alla Scala nel 2017 e che sancisce la loro nuova vittoria in Arena. Applausi scroscianti e apprezzato bis con il Quartetto "Bella figlia dell'amore" dal Rigoletto. Crediti fotografici: Ennevi Foto per la Fondazione Arena di Verona Nella miniatura in alto: il maestro Marco Armiliato Sotto: una stupenda panoramica di Ennevi Foto con il Coro in primo piano Al centro: i saluti finali dopo l'esecuzione del Requiem di Mozart. Da sinistra Vittoria Yeo, Sonia Ganassi, Marco Armiliato, Saimir Pirgu, Alex Esposito Nella miniatura al centro: il soprano Anna Netrebko Sotto in sequenza: la Netrebko con Ambrogio Maestri; Ekaterina Gubanova; e ancora la Netrebko con Yusif Eyvazov In fondo: i saluti finali delle "Stelle dell'Opera" Condividi

Pubblicato il 26 Luglio 2020 Successo per il concerto inaugurale del Festival d'estate 2020 a Verona La poesia dell'Arena servizio di Athos Tromboni

VERONA - Alla presenza di circa tremila spettatori distanziati due metri l'uno dall'altro, è partito «Il cuore italiano della musica» sabato 25 luglio 2020 dentro l'Arena di Verona, primo appuntamento di una serie di concerti che in tempi di pandemia da Coronavirus suppliscono alla programmazione operistica estiva della città scaligera: l’Orchestra, il Coro e i tecnici dell’Arena sono tornati nell’anfiteatro veronese assieme a un cast davvero irripetibile che ha schierato 20 voci liriche di successo dirette da 4 prestigiosi direttori, tutti italiani, o comunque di "scuola italiana". I maestri Andrea Battistoni, Francesco Ivan Ciampa, Marco Armiliato e Riccardo Frizza si sono alternati nella conduzione di un concerto che ha visto esibirsi, in ordine di uscita,  Roberto Frontali, Fabio Armiliato, Sonia Ganassi, Michele Pertusi, Alessandro Corbelli e il Coro in Gli arredi festivi dal Nabucco di Giuseppe Verdi (conductor Battistoni). Poi il giovane violinista Giovanni Andrea Zanon (Capriccio n.24 in La minore per violino e orchestra di Niccolò Paganini), Annalisa Stroppa, Simone Piazzola, ancora il Coro (Va' pensiero sempre dal Nabucco), Maria José Siri, Barbara Frittoli e Fabio Sartori (conductor Ciampa). Poi ancora il Coro (Patria oppressa dal Macbeth di Verdi), Riccardo Zanellato, Saimir Pirgu, Eleonora Buratto e Francesco Meli (conductor Armiliato). Poi, infine, Donata D'Annunzio Lombardi, Carlo Lepore, Annamaria Chiuri, Alex Esposito, Daniela Barcellona e il sempreverde Leo Nucci (conductor Frizza). La disposizione scenografica era assai suggestiva:  un grande palco centrale appositamente creato per il Festival d’estate 2020 era (è, anche per i prossimi spettacoli) il palcoscenico per l'orchestra e i cantanti, mentre tutto attorno si sviluppava un'ogiva completa (idea del compianto maestro Ezio Bosso, ultimo suggerimento intelligente prima della sua prematura dipartita) fatta di scranni e leggii, dove si disponeva il Coro. La madrina della serata era Katia Ricciarelli che si è assunta il compito dei ringraziamenti alle autorità presenti (fra cui la presidente del Senato della Repubblica, Maria Elisabetta Alberti Casellati) dopo l'Inno degli Italiani (cioè Fratelli d'Italia, l'Italia s'è desta) eseguito dall'orchestra e dal Coro sotto la bacchetta del bambino presentato dalla Ricciarelli come "il piccolo Lucas". Cosa c'è da argomentare, esaurita la cronaca, intorno a un concerto "all stars" che è risultato graditissimo al pubblico? Non certo una valutazione critica sulle prestazioni dei singoli (a parte un plauso per la cavata, i colpi d'arco e i picchettati veramente coinvolgenti del giovane violinista Zanon, ottimamente seguito e stimolato dalla bacchetta di Francesco Ivan Ciampa); e nemmeno un agiografico peana al canto italiano cantato da artisti italiani. Della bravura dell'Orchestra areniana si sa, della bravura del Coro (diretto da Vito Lombardi) altrettanto si sa. E non resta al critico, a questo punto, che mettere in evidenza il miracolo delle luci inventate da Paolo Mazzon. L'Arena, sui gradoni dietro al palcoscenico centralizzato, diventava il fondale basso, dove s'accendevano colori ora monocromatici (per esempio, il rosso per Va' pensiero) ora fantasmagorici, quasi arlecchineschi (per esempio durante l'esecuzione dell'aria buffa Udite udite o rustici da L'elisir d'amore di Gaetano Donizetti), e così via... Ma quello che suscitava le emozioni più profonde era il fondale alto: cioè il cielo. Là, nel cielo buio ma stellato della notte serena, si incrociavano ora a raggiera, ora a reticolo, ora a cuspide, i fasci di luce bianca di potenti riflettori, che a volte atterravano anche, per proiettarsi sul fondale basso, cioè i gradoni dietro il palcoscenico centralizzato. Guardando in su - mentre la musica e il canto si spandevano dentro l'anfiteatro - si vedevano le stelle incastonate nelle griglie della luce sparata dai riflettori, ma anche il pulsare degli aerei che andavano e venivano da Villafranca, oppure la luce rossa fissa e quella bianca intermittente del drone che probabilmente riprendeva il concerto dall'alto. L'occhio là, in cielo, che tentava di raggiungere l'infinito; e l'orecchio qua, perché non si poteva, non si doveva, perdere nessuna battuta di Ella giammai m'amò o di E lucevan le stelle o di Vissi d'arte, o di Voi lo sapete o mamma, o di tutte le altre arie e cori che si susseguivano senza intervallo alcuno. Poesia? Sì, poesia. Il cielo, la luce, la notte, la musica, l'Arena. Poesia. Punto. Crediti fotografici: Foto Ennevi per la fondazione Arena di Verona Nella miniatura in alto: il piccolo Lucas che ha diretto l' Inno degli Italiani Sotto: la madrina della serata Katia Ricciarelli con il piccolo Lucas Al centro: foto ricordo dei quattro direttori con il sempreverde Leo Nucci (da sinistra: Riccardo Frizza,  Marco Armiliato, Andrea Battistoni, Nucci, Francesco Ivan Ciampa) Sotto: il giovane violinista Giovanni Andrea Zanon In fondo: il miracolo della luci di scena inventate da Paolo Mazzon Condividi

Pubblicato il 02 Luglio 2020 L'oratorio di Händel fa ripartire la musica a Ferrara sulle tavole del Teatro Comunale Abbado La Resurrezione come spettacolo e simbolo servizio di Athos Tromboni

FERRARA - Dopo Leonardo da Vinci, ecco Händel. Ci riferiamo al Teatro Comunale "Claudio Abbado" che aveva inaugurato la fase post-confinamento con una serata dedicata al genio toscano, il 15 giugno scorso, animata da Vittorio Sgarbi, con musiche dal vivo di e con Valentino Corvino. E poi il 1° luglio sulle tavole del massimo teatro cittadino è arrivato l'oratorio di Georg Friedrich Händel, La Resurrezione¸che verrà replicato oggi e domani, sempre alle ore 21. "Sulle tavole" è proprio il caso di dirlo, fuor di metafora, perché la scena è diventata l'intera platea, tolte le poltrone e sistemata lì l'orchestra, mentre gli spettatori assistevano dai palchi, opportunamente distanziati (due per ogni palco) come stabilito dalle disposizioni di sicurezza anticontagio. Lo spettacolo, della durata di 100 minuti senza intervallo, è stato molto ben organizzato dalla regista e light-designer Chiara Tarabotti che ha immaginato che l'azione si svolgesse in parte su una distesa di sabbia (a simboleggiare la Palestina, dove la risurrezione di Cristo ebbe luogo) attraversata a piedi scalzi da alcuni cantanti, ma anche manipolata con le mani essendo (dice la regista nella presentazione sul libretto di sala) un deserto «... che viene di volta in volta graffiato e modificato, a rivelare lampi di luce e di salvezza.» Sul palcoscenico è montata invece la predella per il coro e un grande fondale che accoglie le proiezioni video della stessa regista, realizzate in team con Giovanni Sparano; queste proiezioni sono ovviamente immaginifiche, accostate al significato delle parole cantate dai solisti, e si evidenziano come fondali fissi colorati (il rosso e il nero per il canto di Lucifero, l'azzurro per il canto dell'Angelo), oppure movimentate da sagome che si agitano evocando il teatro d'ombre, oppure - ancora - con animazioni optical o schizzi di nuvole e palazzi, quando non didascalie che non sono i testi cantati ma le circostanze della creazione e presentazione di questo oratorio ai tempi di Händel. In definitiva, lo spettacolo visto non è un concerto, ma un allestimento semi-staged, come si usa dire; quindi molto molto suggestivo, anche per il sapiente uso delle luci di scena. I solisti, specialisti del canto barocco, hanno offerto tutti un'ottima prestazione: dalle belle agilità di Sonia Tedla (l' Angelo), al coinvolgente lirismo in canto staccato e legato di Carlotta Colombo (Maddalena), al gradito colore bruno e morbido del timbro di Chiara Brunello (Cleofe), al bel colore chiaro e ottimamente contraltino del tenore Luca Cervoni (San Giovanni), fino al canto imperioso del basso Mauro Borgioni (Lucifero). Entrando in scena e recandosi al leggio, ogni cantante recitava, con la mimica facciale e i gesti della braccia, i contenuti della parte che interpretava, preludio al significato del canto successivo. Anche il Coro dell'Accademia di Santo Spirito entra in scena (8 coristi e 8 coriste) mimando una recita, prima di cantare. La prova del coro, limitata a due interventi alla fine della prima parte e alla fine dell'oratorio, è stata magnifica: per l'esperienza che da tanti anni ci accompagna nel seguire e riferire le cronache musicali di Ferrara, possiamo dire che questo coro, organizzato, guidato e istruito da Francesco Pinamonti, esprime una qualità mai incontrata prima in altre esperienze corali, pur pregevoli, della città estense. Il cuore pulsante di tutta la rappresentazione è stata comunque l'Orchestra Accademia dello Spirito Santo... e il cervello dell'esecuzione ha un nome: Alessandro Quarta: questo direttore ha respirato con l'orchestra e i cantanti, ha amalgamato il suono delle sezioni alternandolo e incastrandolo efficacemente (come da partitura) con l'accompagnamento del recitativo affidato a tiorba, violoncello, clavicembalo e organo portativo. Ha fatto gioire e stupire per la congruità delle dinamiche, la perfezione degli attacchi e la bella fusione canto/musica. Una pregevole lettura di questa Resurrezione, con strumenti d'epoca barocca e - di conseguenza - secondo la prassi d'epoca. Il pubblico ha applaudito solo quando doveva applaudire, cioè alla fine della prima parte e al termine dello spettacolo, uscendo soddisfatto dal teatro grazie a questa bella produzione voluta dal Comunale Abbado. Una nota di colore per chiudere, che il dovere del cronista impone:  il libretto di sala ha la copertina sbagliata, che non c'entra nulla con il resto del contenuto (e non c'entra nulla neanche con la storia della musica) perché annuncia: "Georges Bizet - Resurrezione - opéra comique in tre atti... ecc.). Ma non era la Carmen. Crediti fotografici: Marco Caselli Nirmal per il Teatro Comunale "Claudio Abbado" di Ferrara Nella miniatura in alto: il maestro Alessandro Quarta Sotto: il teatro "preparato" per accogliere la recita dal vivo di La Resurrezione Condividi

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