Pubblicato il 04 Aprile 2023 Primo cast e secondo cast non si equivalgono nelle recite al Teatro Carlo Felice di Genova Due Foscari a risultati alterni servizio di Simone Tomei

GENOVA – È andata in scena nel Teatro Carlo Felice l'opera I due Foscari di Giuseppe Verdi, terzultimo titolo della stagione 2022-2023. Delicatezza e pathos assurgono a pieno titolo al livello di qualità di rilievo di questo lavoro del Cigno di Busseto. I personaggi sono ben definiti come nel precedente Ernani, talmente diversi però, da invertire la normale gerarchia verdiana del potere vocale; qui tenore e baritono sono entrambi passivi e l’espres­sione della forza è tutta nel soprano; forza che non sfoggia quella forma cruda che appare in tante delle prime opere di Verdi, bensì di una sorta di lotta quasi “resiliente” che fa assumere a tutto il componimento un carattere molto più delicato ed intimo. In tal modo diventa così un’opera di affinamento, di consolidamento; più semplificata nella forma e allo stesso tempo più meticolosa, persino ricercata nell’invenzione anche se in Verdi suscitò sempre qualche perplessità. Nella sua delusione per la prima romana del 1844 scrisse a un amico milanese: «... Io avea molta predilezione per quest’opera: forse mi sono ingannato, ma prima di ricredermi voglio un altro giudizio.» E al librettista Piave tre anni più tardi: «Nei soggetti naturalmente tristi, se non si è ben cauti si finisce fare un mortorio, come, per modo di esempio, i Foscari, che hanno una tinta, un colore troppo uniforme dal principio alla fine.» I cinque atti del dramma di Lord Byron - da cui è tratto il libretto - narrano la tortura e la confessione del giovane Foscari, la condanna all’esilio, la morte mentre lo portano alla nave, e quella di suo padre, il Doge, che il Consiglio aveva costretto a dimettersi. È un dramma monotono, senza avvenimenti importanti, interamente intonato in chiave minore, e persino Verdi, rileggendo la sinossi, si rese conto che non sarebbe stato suf­ficiente per stare “attaccato a Byron”. In effetti da un punto di vista drammaturgico il pensiero del compositore sullo scrittore inglese era piuttosto netto: «Osservo che in quel di Byron non c’è quella grandiosità scenica che è pur voluta dalle opere per musica: metti alla tortura il tuo ingegno e trova qualche cosa che faccia un po’ di fracasso specialmente nel primo atto.» E nella stessa lettera a Francesco Maria Piave raccomanda: «Fallo con impegno, perché è un bel soggetto, delicato e assai patetico.» Della produzione genovese non possiamo non elogiare il quadro visivo d’insieme che viene offerto al pubblico; funzionali le scenografie che attraverso pareti parallele si aprivano e chiudevano in prospettiva, dando quel senso di ampiezza ed al contempo intimità necessarie ai vari momenti del dramma; i costumi (curati da Kristine Jurjàne) e le luci di Gleb Filshtinsky si rifacevano a colori rinascimentali pastellati con ottimo senso di armonia e bellezza. Grande assente, nonostante i limiti del libretto, rimaneva però la regia di Alvis Hermanis (curatore anche delle scene). Non è risultato immediato capire che ci trovavamo davanti ad un’opera in forma scenica: i personaggi (al di là di dieci bravissimi ballerini del Balletto Fondazione Formazione Danza e Spettacolo “For Dance” ETS che si sono esibiti in coreografie di Alla Sigalova spesso fuori luogo e talvolta ai limiti del ridicolo) avevano solo il compito di “entrare, cantare ed uscire” e non traspariva tra loro alcuna interazione emotiva, se non quella dettata dall’iniziativa di ciascuno - fatto che si è notato molto chiaramente assistendo alle performance dei due cast -. E proprio questa assenza ha reso la visione complessivamente noiosa in quanto è mancata l’audacia bramata dallo stesso Verdi quando scriveva al librettista: «... metti alla tortura il tuo ingegno e trova qualche cosa che faccia un po' di fracasso specialmente nel primo atto.» E qui di “fracasso” – mi sarei accontentato di un po’ più di ars scenica – ne è apparso ben poco. Veniamo adesso alle due compagnie di canto impegnate in questa produzione.   Recita del 1° aprile 2023 – cast alternativo Leon Kim si rivela un Francesco Foscari niente più che corretto al quale manca ancora qualche gradino da salire per riuscirne a delineare appieno il carattere dicotomico che dal personaggio dovrebbe trasparire; l’emissione è corretta, pulita, ma gli accenti sono troppo poco evidenziati risultando la sua, un’interpretazione piuttosto incolore e monocorde.     Il figlio Jacopo è il tenore albanese Giuseppe Gipali che predilige nella sua emissione un canto più morbido e “romantico”; risulta ottima la cura del fraseggio e gli accenti più veementi vengono ben misurati restituendo appieno il senso della parola scenica. Marigona Qerkezi (Lucrezia Contarini) sa imprimere alla vera “lottatrice” dell’opera una pregnanza autorevole e maestosa; la voce è salda, le impervie agilità sono affrontate con precisione e ottima musicalità ed anche quel pathos scenico, assente dalla regia, sembra avere qualche parvenza più marcata. Amore familiare e sete di vendetta ben emergono durante tutta l’opera ed accanto alle romanze più suadenti, in cui si possono apprezzare un ottimo legato e un affascinante fraseggio, si uniscono ficcanti accenti nelle invettive delle cabalette e nelle scene d’assieme. Jacopo Loredano è un freddo ed implacabile Antonio Di Matteo - non sarà soddisfatto finché la morte di suo padre e di suo zio non sarà vendicata da quella dei due Foscari - che con voce tonante e roboante declama le sue invettive. Di pregio le prove di Saverio Fiore (Barbarigo), Marta Calcaterra (Pisana), Antonio Mannarino (Fante) e Matteo Armanino (Servo del Doge). Sin dal preludio in cui emergono con dovizia i principali temi dell’opera, la concertazione del M° Renato Palumbo dà inizio al dramma prima che si alzi il sipario. Non perde mai occasione per sottolineare con cura gli aspetti peculiari di ogni personaggio e li asseconda con sonorità e colori sempre appropriati. La sua lettura è attenta, precisa, lucida e l’intesa tra buca e palcoscenico non viene mai meno grazie ad un gesto chiaro e nitido. Maiuscola la prova del Coro preparato e diretto dal M° Claudio Marino Moretti. Applausi per tutto il cast a fine recita.   Recita del 2 aprile 2023 – primo cast Cambio nella triade dei personaggi principali. Senza se e senza ma emerge, su tutti, l’emozionate prova del baritono Franco Vassallo nei panni del Doge Francesco Foscari; un’interpretazione da manuale nelquale ha saputo dare ad ogni parola il giusto accento ed il giusto peso scenico traendo da ogni frase il vero significato interiore e restituendo con impressionante realismo i contrasti dell’anima del vegliardo Principe. La scena finale diventa quindi un quadro di rara bellezza dove emerge con forza l’istrionica verve dell’artista e la voce restituisce ogni emozione del morente fino all’esito estremo. Tal sublime prova gli giova un tonante riconoscimento del pubblico alla fine della magistrale aria del terzo atto “Questa è dunque l’iniqua mercede”. Fabio Sartori si rivela uno Jacopo Foscari piuttosto ardito e gagliardo, forse troppo rispetto al dovuto; lo squillo è senza dubbio tonante e limpido, ma in taluni passaggi sarebbe stato più opportuno dare maggior risalto ad altre peculiarità del personaggio - con accenti meno veristi - quali ad esempio la disperazione, la rassegnazione e la malinconia. Canta bene la sua parte Angela Meade (Lucrezia Contarini) con un’emissione omogenea in tutto il registro, ma non va oltre; il personaggio non trova la sua connotazione precipua e – seppur la regia non abbia dato stimoli – mi sarei aspettato qualcosa di più che semplici “entrata, canto ed uscita”. Completavano degnamente il cast in questo pomeriggio domenicale Alberto Angeleri (Fante) e Filippo Balestra (Servo del Doge). Un pubblico entusiasta saluta plaudente alla fine tutti gli artisti.        Crediti fotografici: Ufficio stampa del Teatro Carlo Felice di Genova Nella miniatura in alto: il dorettore Renato Palumbo Sotto in sequenza: scene da I due Foscari secondo cast e primo cast Condividi

Pubblicato il 31 Marzo 2023 Il riconosciuto capolavoro operistico di Thomas Adès finalmente in scena al Regio di Torino Powder Her Face scabrosa e amata servizio di Massimo Viazzo

TORINO - Dopo l’acclamata première italiana di The Tempest alla Scala, il Teatro Regio di Torino ha proposto in stagione l’altro capolavoro operistico di Thomas Adès, Powder Her Face, mai rappresentato nel capoluogo piemontese: l’opera scandalosa, l’opera scabrosa, l’opera irriverente che ha ormai conquistato il pubblico di tutto il mondo. I due lavori di Adès, in effetti, stanno entrando stabilmente in repertorio un po’ dappertutto, caso più unico che raro tra i titoli operistici composti negli ultimi decenni. La musica di Adès piace, la musica di Adès avvince, la musica di Adès convince. Il che può sembrare incredibile quando si parla di compositori contemporanei che invece a volte sono parsi impegnati in una sorta di autocompiacimento intellettualistico piuttosto che interessati a coinvolgere il pubblico in modo più musicalmente immediato. Thomas Adès ha la rara capacità di saper utilizzare materiali antichi facendoli sembrare nuovi, impiegando nel contempo anche materiali contemporanei come fossero classici. Il segreto è tutto qui. L’innato senso teatrale, ereditato dal conterraneo che spesso gli si affianca, Benjamin Britten, fa il resto in quanto a comunicativa e tenuta drammaturgica. E così alla fine viene voglia di tuffarsi nella sua musica, attratti come le api dal fiore, ammaliati da melodie, timbri e ritmi mai scontati e banali che pur suonando moderni fanno sorprendentemente parte del nostro vissuto musicale. Powder Her Face è un’opera da camera composta circa trent’anni fa, il cui libretto ironico, sarcastico, ma con retrogusto malinconico, racconta la vita avventurosa di Ethel   Margaret Whigham, soprattutto delle sue spregiudicate pratiche erotiche con decine di uomini dovute ad appetiti sessuali mai sopiti. Una lista di nomi degna di un Don Giovanni in gonnella e condita in sede processuale dai famosi scatti fotografici licenziosi effettuati con la gloriosa polaroid. Il burrascoso divorzio dal secondo marito, Ian Douglas Campbell, undicesimo duca di Argyll, e il conseguente processo destarono grande clamore nell’Inghilterra del 1963. Per questa nuova produzione è stata riaperta la sala del Piccolo Regio Puccini e il pubblico (si sono visti molti giovani) ha mostrato di aver apprezzato la proposta del teatro torinese. La bacchetta è stata affidata al giovane e talentuoso direttore d’orchestra Riccardo Bisatti, e si può affermare che mai scelta fu così azzeccata. Bisatti ha concertato la complicatissima partitura con grande lucidità e sicurezza mostrando una maturità fuori del comune, riuscendo a spronare l’Orchestra del Teatro Regio, poco abituata al repertorio contemporaneo e qui in formazione da camera, con un gesto preciso ed incisivo, senza mai perdere di vista il rapporto con il palcoscenico e i cantanti. Il passo cinematografico dettato dal direttore ben si sposava, poi, con la visione registica di Paolo Vettori che ha impostato uno spettacolo agile, dinamico e mai volgare nonostante il soggetto pruriginoso, ambientando la vicenda nella camera della Duchessa con un grande letto che troneggiava al centro del palco e pochi elementi scenici a fare da corollario. Interessante l’idea di Vettori di aggiungere in scena un personaggio muto, un mimo dagli occhi bendati (il poliedrico Marco Caudera) che scandiva temporalmente gli avvenimenti come fosse una sorta di memoria antica degli avvenimenti stessi, e che relazionandosi con la protagonista ne sembrava quasi un suo alter ego interiore, onirico. Il cast è parso molto equilibrato a cominciare da Irina Bogdanova, una Duchessa cantata con timbrica vellutata, charme e fraseggio levigato. Emozionante il suo congedo alla fine dell’opera, forse il climax della partitura in cui Adès. Amélie Hois ha impressionato per la facilità della coloratura e l’emissione dei sovracuti. La sua interpretazione del ruolo della Cameriera (più altri cinque personaggi) è piaciuta per disinvoltura e malizia, mentre Thomas Cilluffo ha cantato i suoi cinque ruoli con timbrica sana, comunicativa e simpatia contagiosa. Voce potente e robusta quella del basso Lorenzo Mazzucchelli che ha saputo farsi apprezzare nella sua invettiva accusatoria quando ha vestito i panni del Giudice nella fondamentale sesta scena dell’opera. Naturalmente anche Mazzucchelli ha cantato più ruoli, come previsto dal libretto di Philip Hensher che ha voluto così spersonalizzare chiunque interagisse con la Duchessa, protagonista unica, vera, autentica. Successo meritato (la recensione si riferisce alla recita di sabato 18 marzo 2023)   Crediti fotografici: Andrea Macchia per il Teatro Regio di Torino Nella miniatura in alto: il direttore Riccardo Bisatti Sotto, in sequenza: scene da Powder Her Face di Thomas Adès Condividi

Pubblicato il 27 Marzo 2023 Interessante regia di Davide Livermore (ripresa da Alessandra Premoli) nel Teatro Carlo Felice Tosca del triangolo scaleno servizio di Simone Tomei

GENOVA - Ancora un successo senza se e senza ma per il Teatro Carlo Felice che ripropone dopo nove anni una fortunata edizione della Tosca di Giacomo Puccini. La regia di Davide Livermore - ripresa da Alessandra Premoli - può essere considerata una delle sue migliori “invenzioni” in quanto ha saputo trarre tutte le sfaccettature e tutte le potenzialità insite nel libretto di Giuseppe Giacosa ed Luigi Illica. Una costruzione triangolare rotante domina il palcoscenico; un triangolo scaleno come “scaleni” sono i tre personaggi dell’opera. Ognuno di loro ha un ruolo diverso sia nella società che nel pensiero politico; allo stesso modo ciascuno ha una posizione ben definita nella geometria del palcoscenico; il Barone Scarpia sempre in alto, Cavaradossi spesso al di sotto della costruzione e Tosca che si barcamena tra l’uno e l’altro. Pochi elementi scenici, ma mirati, portano a definire tutti gli ambienti della narrazione; ambienti in cui tutti sono imprigionati e dai quali nessuno uscirà vivo. Il palco ruotante conduce lo spettatore nel vortice del dramma e lo tiene sempre con il fiato sospeso, fino al coupe du thèâtre finale - che non rivelerò - che ci porta ad una riflessione sottile e non scontata. A completamento del lavoro Gianluca Falaschi confeziona costumi di pregio; per completezza di informazione Livermore cura anche luci e scene. Il M° Piergiorgio Morandi è letteralmente un fuori classe e mette a segno due recite di grande impatto emotivo; i colori hanno saputo imprimere quel carattere variegato che pervade tutta l’opera; vi sono i momenti ilari dell’inizio con il sagrestano, quelli più suadenti delle pagine amorose e quelli drammatici del potere e della violenza carnale. Dicendola con Michele Girardi: «… tale impianto narrativo richiese a Puccini un trattamento musicale diverso da quello sin lì praticato, dove l’elemento lirico aveva un rilievo molto maggiore. La tavolozza armonica è più cosparsa di dissonanze; orchestrazione, agogica e dinamica sono sovente sospinte ai limiti estremi e caricate di laceranti tensioni espressive, in ossequio a una vicenda ove, in poco più di un’ora e mezza, si succedono un’evasione, una scena di tortura, la notizia di un suicidio, un tentativo di violenza sessuale con l’uccisione dello stupratore mancato, una fucilazione e il suicidio della protagonista. L’estrema concentrazione di eventi obbligò Puccini a seguire una scansione temporale accelerata, e perciò a modificare la consolidata tecnica narrativa basata sul ricorrere di temi e reminiscenze che identificano figure e situazioni senza particolari gerarchie. Egli coordinò invece una fitta trama musicale, capace di realizzare un agile commento sonoro al frenetico succedersi dei fatti...» In tal guisa prende vita la concertazione di Morandi conferendo pieno risalto ai temi che rappresentano azioni in continuo divenire - mentre il triangolo scaleno continua a girare - e questi temi entrano in gioco vorticosamente mutando da una terza minore ad una terza maggiore o ingigantendo la strumentazione per evidenziare un colpo di scena. Veniamo adesso alle due recite seguite. Sabato 25 febbraio 2023 - cast alternativo Nel ruolo eponimo Monica Zanettin si rivela un’interprete eccellente; gli accenti sono ben calibrati, la voce è salda e il fraseggio ineccepibile. Tosca è fuoco, passione, femminilità e tutte queste caratteristiche scaturiscono nota dopo nota affascinando l’orecchio del pubblico che non lesina il suo contento specialmente dopo l’aria del secondo atto. Note molto dolenti invece per Sergio Escobar che non riesce a centrare nessuna caratteristica del pittore Cavaradossi; sin dall’aria di sortita si ascoltano suoni fibrosi e incerti che culminano in un acuto poco centrato e traballante. Non va meglio andando avanti, anzi… sempre più emergono mende di emissione - soprattuto negli acuti - che inficiano il buon risultato della prova. Il Barone Scarpia di Stefano Meo emerge per physique du rôle e vocalità schietta e nitida. Gli accenti sono ben calibrati e l’ampiezza dei fiati e del fraseggio disegnano le frasi musicali con opportuno impatto drammaturgico. I personaggi di fianco superano a pieni voti il cimento. Ottimo l’Angelotti di Dongho Kim per voce cavernosa e possente. Matteo Peirone è una belva da palcoscenico e riesce a conferire all’ilare personaggio del Sagrestano quel carattere inconfondibile formato da un misto di ingenuità e bigottismo. Manuel Pierattelli è un bravo Spoletta; egregio lo Sciarrone di Claudio Ottino, preciso Franco Rios Castro come Un Carceriere ed Eliana Uscidda brilla nei panni di Un pastore. Centra egregiamente il proprio "bersaglio" il Coro preparato e diretto dal M° Claudio Marino Moretti; come pure il coro delle voci bianche guidato dal M° Gino Tanassini. Pienone in ogni ordine e grado e festanti applausi alla fine. Domenica 26 febbraio 2023 - primo cast Il soprano Maria José Siri (Tosca) è un’artista affidabile in questo ruolo; lei sa trarre da ogni parola il giusto peso vocale e drammaturgico. Il suo "Vissi d’Arte”, denota partecipazione emotiva molto forte e nonostante il momento di preghiera riflessivo non viene meno l’andamento narrativo, che rimane serrato e vorticoso. Il Cavaradossi di Riccardo Massi brilla di luce proprio per una voce nitida e scintillante; le due arie sono affrontate con sicumera vocale e interpretativa in cui legato e messa di voce sono preziosi cammei; non da meno sono i momenti di veemenza: “La vita mi costasse” e “Vittoria, vittoria” - tenuti all’inverosimile - mettono in luce una vocalità possente e salda. Amartuvshin Enkhbat quale Barone Scarpia, mette in evidenza una splendida voce, piena di armonici e con ottima proiezione, difettando però di un certo charme scenico che si richiederebbe maggiormente per tutto il dramma ad un personaggio così scaltro e topico. Roberto Conti è un puntuale Carceriere; e nei panni di Un Pastore Maria Guano fa una splendida figura. Anche per questa recita il teatro era al completo e gli applausi sentiti all'indirizzo di tutto il cast. Crediti fotografici: Ufficio stampa del Teatro Carlo Felice di Genova Nella miniatura in alto: la regista Alessandra Premoli Al centro: Maria José Siri grande interprete diTosca Sotto, in sequenza: panoramiche sul triangolo "scaleno" ideato dalla regia   Condividi

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