Pubblicato il 27 Marzo 2023 Interessante regia di Davide Livermore (ripresa da Alessandra Premoli) nel Teatro Carlo Felice Tosca del triangolo scaleno servizio di Simone Tomei

GENOVA - Ancora un successo senza se e senza ma per il Teatro Carlo Felice che ripropone dopo nove anni una fortunata edizione della Tosca di Giacomo Puccini. La regia di Davide Livermore - ripresa da Alessandra Premoli - può essere considerata una delle sue migliori “invenzioni” in quanto ha saputo trarre tutte le sfaccettature e tutte le potenzialità insite nel libretto di Giuseppe Giacosa ed Luigi Illica. Una costruzione triangolare rotante domina il palcoscenico; un triangolo scaleno come “scaleni” sono i tre personaggi dell’opera. Ognuno di loro ha un ruolo diverso sia nella società che nel pensiero politico; allo stesso modo ciascuno ha una posizione ben definita nella geometria del palcoscenico; il Barone Scarpia sempre in alto, Cavaradossi spesso al di sotto della costruzione e Tosca che si barcamena tra l’uno e l’altro. Pochi elementi scenici, ma mirati, portano a definire tutti gli ambienti della narrazione; ambienti in cui tutti sono imprigionati e dai quali nessuno uscirà vivo. Il palco ruotante conduce lo spettatore nel vortice del dramma e lo tiene sempre con il fiato sospeso, fino al coupe du thèâtre finale - che non rivelerò - che ci porta ad una riflessione sottile e non scontata. A completamento del lavoro Gianluca Falaschi confeziona costumi di pregio; per completezza di informazione Livermore cura anche luci e scene. Il M° Piergiorgio Morandi è letteralmente un fuori classe e mette a segno due recite di grande impatto emotivo; i colori hanno saputo imprimere quel carattere variegato che pervade tutta l’opera; vi sono i momenti ilari dell’inizio con il sagrestano, quelli più suadenti delle pagine amorose e quelli drammatici del potere e della violenza carnale. Dicendola con Michele Girardi: «… tale impianto narrativo richiese a Puccini un trattamento musicale diverso da quello sin lì praticato, dove l’elemento lirico aveva un rilievo molto maggiore. La tavolozza armonica è più cosparsa di dissonanze; orchestrazione, agogica e dinamica sono sovente sospinte ai limiti estremi e caricate di laceranti tensioni espressive, in ossequio a una vicenda ove, in poco più di un’ora e mezza, si succedono un’evasione, una scena di tortura, la notizia di un suicidio, un tentativo di violenza sessuale con l’uccisione dello stupratore mancato, una fucilazione e il suicidio della protagonista. L’estrema concentrazione di eventi obbligò Puccini a seguire una scansione temporale accelerata, e perciò a modificare la consolidata tecnica narrativa basata sul ricorrere di temi e reminiscenze che identificano figure e situazioni senza particolari gerarchie. Egli coordinò invece una fitta trama musicale, capace di realizzare un agile commento sonoro al frenetico succedersi dei fatti...» In tal guisa prende vita la concertazione di Morandi conferendo pieno risalto ai temi che rappresentano azioni in continuo divenire - mentre il triangolo scaleno continua a girare - e questi temi entrano in gioco vorticosamente mutando da una terza minore ad una terza maggiore o ingigantendo la strumentazione per evidenziare un colpo di scena. Veniamo adesso alle due recite seguite. Sabato 25 febbraio 2023 - cast alternativo Nel ruolo eponimo Monica Zanettin si rivela un’interprete eccellente; gli accenti sono ben calibrati, la voce è salda e il fraseggio ineccepibile. Tosca è fuoco, passione, femminilità e tutte queste caratteristiche scaturiscono nota dopo nota affascinando l’orecchio del pubblico che non lesina il suo contento specialmente dopo l’aria del secondo atto. Note molto dolenti invece per Sergio Escobar che non riesce a centrare nessuna caratteristica del pittore Cavaradossi; sin dall’aria di sortita si ascoltano suoni fibrosi e incerti che culminano in un acuto poco centrato e traballante. Non va meglio andando avanti, anzi… sempre più emergono mende di emissione - soprattuto negli acuti - che inficiano il buon risultato della prova. Il Barone Scarpia di Stefano Meo emerge per physique du rôle e vocalità schietta e nitida. Gli accenti sono ben calibrati e l’ampiezza dei fiati e del fraseggio disegnano le frasi musicali con opportuno impatto drammaturgico. I personaggi di fianco superano a pieni voti il cimento. Ottimo l’Angelotti di Dongho Kim per voce cavernosa e possente. Matteo Peirone è una belva da palcoscenico e riesce a conferire all’ilare personaggio del Sagrestano quel carattere inconfondibile formato da un misto di ingenuità e bigottismo. Manuel Pierattelli è un bravo Spoletta; egregio lo Sciarrone di Claudio Ottino, preciso Franco Rios Castro come Un Carceriere ed Eliana Uscidda brilla nei panni di Un pastore. Centra egregiamente il proprio "bersaglio" il Coro preparato e diretto dal M° Claudio Marino Moretti; come pure il coro delle voci bianche guidato dal M° Gino Tanassini. Pienone in ogni ordine e grado e festanti applausi alla fine. Domenica 26 febbraio 2023 - primo cast Il soprano Maria José Siri (Tosca) è un’artista affidabile in questo ruolo; lei sa trarre da ogni parola il giusto peso vocale e drammaturgico. Il suo "Vissi d’Arte”, denota partecipazione emotiva molto forte e nonostante il momento di preghiera riflessivo non viene meno l’andamento narrativo, che rimane serrato e vorticoso. Il Cavaradossi di Riccardo Massi brilla di luce proprio per una voce nitida e scintillante; le due arie sono affrontate con sicumera vocale e interpretativa in cui legato e messa di voce sono preziosi cammei; non da meno sono i momenti di veemenza: “La vita mi costasse” e “Vittoria, vittoria” - tenuti all’inverosimile - mettono in luce una vocalità possente e salda. Amartuvshin Enkhbat quale Barone Scarpia, mette in evidenza una splendida voce, piena di armonici e con ottima proiezione, difettando però di un certo charme scenico che si richiederebbe maggiormente per tutto il dramma ad un personaggio così scaltro e topico. Roberto Conti è un puntuale Carceriere; e nei panni di Un Pastore Maria Guano fa una splendida figura. Anche per questa recita il teatro era al completo e gli applausi sentiti all'indirizzo di tutto il cast. Crediti fotografici: Ufficio stampa del Teatro Carlo Felice di Genova Nella miniatura in alto: la regista Alessandra Premoli Al centro: Maria José Siri grande interprete diTosca Sotto, in sequenza: panoramiche sul triangolo "scaleno" ideato dalla regia   Condividi

Pubblicato il 06 Febbraio 2023 A Genova è andata in scena una bella edizione dell'opera più romantica di Giuseppe Verdi Due cast un successo per il Ballo servizio di Simone Tomei

GENOVA - Prosegue con ottimo successo il programma della stagione lirica del Teatro Carlo Felice, mettendo a segno un ulteriore punto a suo favore con l’allestimento di Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi. Si tratta di una coproduzione con i teatri di Piacenza, Ravenna e Ferrara dove la regia di Leo Nucci può essere così sintetizzata: «Nella mia messa in scena ho cercato di seguire la verità di Verdi, con l’obiettivo di mettere in risalto tutti i segnali che ci manda, che rimangono di un’attualità impressionante. Non vedo alcun motivo di trasportare l’azione ai giorni nostri. Infatti, è proprio grazie all’ambientazione originale che possiamo suggerire una riflessione tra passato e presente, anche per riconoscere quali problemi sociali sono rimasti gli stessi, e magari pensare a come cambiare.» Tutto è chiaro, limpido, cristallino; le interazioni tra i personaggi e tra questi ultimi e la musica sono una pennellata nitida che non fa mai perdere la tensione drammatica dipanandosi in maniera didascalica, ma mai noiosa o ancor peggio scontata. L’aderenza quasi maniacale alle indicazioni del librettista e dell’autore non sono solo un “rifiuto” di attualizzazioni spesso scellerate, ma diventano un modo, anche per i più profani, di capire maggiormente le follie e l’atipicità di quest’opera. Quando si parla di Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi il pensiero prevalente nella mente dello studioso va alla gestazione travagliata di quell'opera; la rielaborazione/adattamento in versi italiani del Gustave III, où Le Bal masqué di Eugène Scribe che andò in scena all'Opéra di Parigi il 27 febbraio 1883 con la musica di Daniel Auber fu subissata dalle richieste di modifica da parte della censura napoletana – la commissione dell'opera fu fatta al compositore dall'impresario Vincenzo Torelli per il Teatro San Carlo di Napoli – che costrinsero il librettista e drammaturgo Antonio Somma a vagare più volte nel tempo e nello spazio per raccontare la vicenda storica del re Gustavo III di Svezia, monarca illuminato e riformatore, contro il quale la più conservatrice aristocrazia ordisce una congiura nell'anno 1792. Le difficoltà che scaturiscono dalla diatriba con la censura napoletana inducono il compositore a cambiare il luogo della prima rappresentazione: ed infatti il 17 febbraio 1859 Un ballo in maschera debutta al Teatro Apollo di Roma, anziché al San Carlo di Napoli. L’opera vive della commistione di elementi tragici e brillano, vive anche del susseguirsi di momenti di gaia leggerezza e di fatale passione; va lodata la capacità del compositore di inserire tratti stilistici dell’opéra-comique francese nel costrutto del melodramma romantico italiano al fine di tratteggiare il carattere spensierato della Corte di Boston che fa da cornice al dramma amoroso in cui vorticosamente si trovano irretiti Riccardo, Amelia e Renato. Come dice il critico italiano Massimo Mila: «Ancora più de La traviata, Un ballo in maschera è un puro, esclusivo poema d'amore. Ne La traviata, il canto d'amore è misto a una forte vena di protesta sociale... nulla di ciò esiste in Un ballo in maschera, che è davvero il vorticoso, tragico poema di un amore impossibile e disperato... Un ballo in maschera è il "Tristano e Isotta" di Verdi.» Leo Nucci è riuscito a coniugare tutto questo in una messinscena “tradizionale” che - assieme a Carlo Centolavigna, curatore delle scene, Atermio Cabassi per i costumi e Claudio Schimd alle luci -, ha restituito due ore e mezzo di grande Teatro. Il maestro Donato Renzetti, giuda dell’Orchestra del Teatro Carlo Felice, ha posto il suggello ad una formidabile produzione: il suo atteggiamento verso lo spartito coglie ogni anfratto della partitura evidenziando a dovere le grandi scene d’insieme e cesellando ogni suono nei momenti più lirici, consentendo agli artisti di poter “giocare” con sonorità suadenti e finezze vocali encomiabili.   Recita del 4 febbraio 2023 - cast alternativo. In questo sabato pomeriggio si sono succeduti sul palco del Teatro Carlo Felice artisti di prim’ordine che ben si sono inseriti in un felice contesto visuale. Angelo Villari nei panni di Riccardo ha messo in luce una vocalità nitida e schietta e con grande espressività ha estrapolato il carattere più nobile e fiero del sovrano; gli acuti svettano pieni e tonanti e ha dimostrato di essere un artista che può tranquillamente oscillare da un repertorio più “drammatico” ad uno più “lirico” senza forzature o artifici. La romanza del terzo atto diventa pura poesia in cui mestizia, rammarico e dolore si fondono in un elegante emissione e nitore vocale. Non da meno il duetto del secondo atto si fonde con la voce dell’amata in maniera sublime. È Maria Teresa Leva, l’amata Amelia della quale non posso che confermare le impressioni avute già in altri ascolti. La sua voce, come il vino, migliora con il passare del tempo e riesce ogni volta a conferire al personaggio interpretato la giusta vis interpretativa; usa il suo strumento in maniera intelligente cercando in ogni frase di trovare il senso pieno della drammaturgia, non teme le note più impervie e risulta sempre a fuoco in tutta la gamma di suoni. Mansoo Kim è il terzo protagonista (Renato) di cui si esalta una linea di canto tornita e solida portando a segno un’ottima prova sia vocalmente che per presenza scenica; forse è mancata un po’ di drammaticità nel canto del terzo atto, dove ha prevalso ancora una volta l’aspetto più nobile a discapito di  quello più vendicativo. L’Ulrica di Maria Ermolaeva è risultata molto soddisfacente al netto di qualche asprezza nei passaggi di registro. Nonostante questo ha dimostrato grande appeal scenico e negli acuti ha impresso quella veemenza necessaria per apparire decisamente credibile. Ksenia Bomarsi nei panni di Oscar è apparsa piuttosto mediocre sia come vocalità (piccola e poco penetrante) soprattutto nel primo atto, sia come dizione (la maggior parte delle parole erano poco comprensibili); il suo personaggio è risultato dunque piuttosto anonimo e privo di charme. Di lusso John Paul Huckle (Samuel) e Romano Dal Zovo (Tom) che si sono ben messi in luce nei momenti topici a loro dedicati. A completamento del cast i bravi Marco Camastra (Silvano), Giuliano Petouchoff (Un giudice) e Claudio Isoardi (Un servo). Di grande effetto sono risultati gli interventi del Coro del Teatro preparato e diretto in maniera ineccepibile dal maestro Claudio Marino Moretti. Sala decisamente affollata e festante per tutti. Recita del 5 febbraio 2023 - primo cast. Cambio della triade dei protagonisti e del Paggio in questa domenica invernale genovese. Il Riccardo di Francesco Meli è baldanzoso, disinvolto e sicuro di sé. Affronta il ruolo con personalità - soprattuto nella gestione delle dinamiche - evidenziando - come noto - un timbro di rara fattura e una gestione delle mezze voci molto convincente. La sua partner artistica Carmen Giannattasio ha dato vita ad una Amelia molto tormentata. Emotivamente partecipata l’aria del terzo atto in cui è riuscita a dare il meglio di sé nel conferite più pathos al dolore per la perdita del figlio che alla paura di morire. Plausi anche per il Renato di Roberto De Candia che offre una prova sia scenicamente che vocalmente molto convincente. Ottimo il canto, ricco di bel legato e grande espressività che hanno avuto culmine della drammatica aria del terzo atto Eri tu, che macchiavi quell’anima con la quale ha scatenato applausi convinti a scena aperta. Frizzante, argenteo e luminoso è stato l’Oscar di Anna Maria Sarra capace di gestire con fermezza le agilità e di emergere nitidamente nei momenti concertanti. Anche in questa domenica, teatro molto affollato e grandi applausi e consensi per tutti. Crediti fotografici: Ufficio stampa del Teatro Carlo Felice di Genova Nella miniatura in alto: il direttore Donato Renzetti (foto Monica Ramaccioni) Nella miniatura al centro: il tenore Angelo Villari (Riccardo, secondo cast) Sotto: panoramica su costumi e allestimento di Un ballo in maschera Nella miniatura sotto: il tenore Francesco Meli (Riccardo, primo cast) A fondo pagina: scena nell'antro di Ulrica Condividi

Pubblicato il 03 Gennaio 2023 Nel Teatro Carlo Felice di Genova un capodanno veramente felice per tutti e... Il Pipistrello incorona Julia Knecht servizio di Simone Tomei

GENOVA - «Le passioni possono far musica. Ma soltanto musica senza parole. Perciò l’opera è un assurdo… Nell’operetta, invece, l’assurdità è sottintesa« (Karl Kraus, Detti e contraddetti). Apertura d’anno con il botto al Teatro Carlo Felice di Genova dove una spumeggiante produzione de Die Fledermaus di Johann Strauss ha dato il via al nuovo anno 2023. Il compositore austriaco - figlio del meno noto Joahnn padre - impiegò solo quarantatré giorni per comporre la partitura de Die Fledermaus che rappresenta non solo un suo capolavoro, bensì quello di un genere considerato “minore” come l’operetta. Ma come dice il M° Fabio Luisi in un’intervista su “l’Invito” «… l’operetta va presa sul serio ed è specchio del suo tempo, soprattuto per quello che riguarda l’operetta d’oro (quella del tempo di Joahnn Strauss) e quella d’argento (Franz Lehár e contemporanei, quindi l’operetta degli anno ’10 o ’20 del Novecento). Le operette di Johann Strauss, Franz von Supplé e Carl Millöcker, tutti compositori di area viennese, sono dei grandi capolavori ancorati nello stile musicale dell’epoca, alle quali sono paragonabili, nello stesso periodo, quelle di Offenbach in area francese.» Proprio una decina d'anni prima lo stesso Offenbach aveva detto a Strauss jr. che sarebbe stato un buon compositore di operette: ci aveva provato, ma la fortuna di incontrare un libretto teatralmente plausibile sarebbe venuta solo con Die Fledermaus. Mettere un valzer sotto le parole era il suo mestiere tra le difficoltà di rappresentare l'opera c'è quella di lasciare il tutto alla sua leggerezza. Così ruoli e situazioni sono lasciati all'inventiva del momento, e la festa in casa del conte Orlofsky può diventare occasione di contemporaneo chiacchiericcio, satirico e no, sulla politica e la cronaca, od occasione per esibizioni felicemente anacronistiche.   Grande rilievo trovano spazio in certi passaggi tratti dalla musica popolare non solo viennese (su tutte, si veda la csárdás cantata da Rosalinde, o la polka nel finale del secondo atto), cui si accompagnano, per puro gioioso divertimento, vocalità funamboliche, virtuosismi nelle entrate vocali, accompagnamenti scanzonati, melodie straripanti e irresistibili. E poi ritmo, dettato dalla musica e dalla trama: tutti si ritrovano ovunque, in un girotondo festoso e in una saga delle coincidenze. Insomma, Die Fledermaus è un luogo di felicità, la realizzazione scenica della gioiosa malinconia del valzer; ma non solo. Se infatti gran parte dell'insieme si deve al valzer, tutta la partitura è spumeggiante, divertita, ironica: fatta per durare. La struttura è semplice e nota e prevede che i numeri musicali si alternino a dialoghi parlati. Proprio in questi, come nei recitativi dell’opera seria storica, si sviluppa l’azione drammaturgica, si confrontano i personaggi, si sviluppano gli equivoci e le trame di scherzi, prese in giro, corteggiamenti. L'invenzione librettistica e musicale vede quasi sempre rappresentato il bel mondo come quello che al tempo assisteva alle rappresentazioni; un mondo che si mette in scena sotto una lente che ne dilata gli aspetti farseschi, superficiali, frivoli dando vita ad una serie di cliché rappresentativi che ricorrono (un po' come nell’opera buffa) costantemente. Mariti fedifraghi sempre pronti a gettarsi tra le braccia di altre donne (ballerine, nobili o borghesi non fa differenza), mogli e in genere figure femminili che oscillano tra una arguta ironia e superiorità davanti alle vicende meschine e ridicole dei loro uomini o sono loro stesse spinte ad una frivolezza senza freni pur di ottenere lo scopo prefissato. Non possono mancare i travestimenti, maschere, scambi di persona. Una umanità che si diverte e come principale occupazione nella vita festeggia e difatti sono proprio i saloni da ballo o i grandi ricevimenti gli ambienti privilegiati dalle trame delle operette. In questo variegato consesso la mano del M° Fabio Luisi non tradisce alcuna aspettativa e porta l’esecuzione musicale a livelli eccelsi. Ne è un assaggio la grande Ouverture iniziale che brilla per colori, dinamiche e ritmi sempre frizzanti ai quali l’Orchestra del Teatro Carlo Felice aderisce con determinazione restituendo una resa musicale sopraffina. Non da meno è il rapporto con il palcoscenico con il quale trova un’intesa idilliaca, misurata e sempre rispettosa delle voci e delle esigenze attoriali. Il ritmo, la tensione ed il pathos non vengono mai meno; e le due ore e mezza di spettacolo scorrono in un soffio. La regia di Cesare Lievi è semplice, non scontata; ed è efficace come lo sono i costumi e le scene di Luigi Perego; uno sfarzo misurato - forse come la situazione storica al tempo della composizione che vedeva una fine quasi prossima dell’impero asburgico - che comunque tiene in piedi il gioco delle parti; una capacità di far interagire i personaggi senza mai calare la “tensione” della trama ed un gioco di luci (curate da Luigi Saccomandi) molto ben calibrato. Ottime inoltre le coreografie di Irina Kashkova eseguite dal Balletto Fondazione Formazione Danza e Spettacolo “For Dance” ETS. Sono rimasto piacevolmente colpito da un cast di prim’ordine - nonostante abbia ascoltato quello alternativo - seppur (per qualcuno) con voci perfettibili. Gabriel von Eisentstsein ha preso vita grazie all’eclettico Simon Schnorr il quale si ricorda più per l’interpretazione vivace e spigliata che non per una vocalità salda, comunque efficace. Piacevole anche se un po’ debole nell’emissione vocalmente la Rosalinde di Valentina Farcas che vanta un timbro estremamente gradevole, anche se la voce è tendenzialmente piccola e qualche nota più grave risulta leggermente meno sonora. Ottimo il Frank di Levent Bakirci che ci offre attimi di pura istrionicità attoriale uniti ad un canto sempre ben a fuoco e di sublime fattura. Caterina Piva ci regala un cammeo pregiato nel suo ruolo en travesti del Prinz Orlofsky al quale conferisce il carattere dimesso e annoiato con sublime ironicità. Non da meno è l’Alfred di Enrico Casari che sin dalla cantata fuori scena del primo atto, esordisce con sicumera vocale accompagnata da delizia scenica. Sia il Dr. Falke che il Dr. Blind interpretati rispettivamente da Liviu Holender e Benedict Kobel si attagliano con eleganza e stile interpretativo all’allegra brigata. Ma il pezzo forte deve ancora arrivare ed è impersonato dal soprano Julia Knecht nel ruolo della cameriera Adele; è stata la sorpresa di questo pomeriggio musicale nel quale si è saputa distinguere in maniera inequivocabile; quello di Adele è - a mio avviso - il ruolo più ammaliante dell’operetta che necessità di doti attoriali non comuni e frizzante vocalità. La Knecht non ha mancato nessun obiettivo ed ha saputo cimentarsi nelle impervie agilità della parte con quel gusto frizzante e spumeggiante che ha reso la sua performance davvero strepitosa. Ottima anche l’Ida di Alena Sautier e dulcis in fundo, il Frosch di Udo Samel - ruolo solo attoriale - che con un linguaggio misto tra tedesco e italiano maccheronico ha trasmesso ilarità e simpatia a tutto il pubblico genovese anche per l’intercalare belin spesso usato nei suoi dialoghi. Il coro guardato dal M° Claudio Marino Moretti si è messo in luce con grande smalto e pressione vocale. Sono felice di aver potuto gustare questa recita a dispetto delle parole dei librettisti Carl Haffner e Richar Genée che chiudono il primo atto con le parole: “Glücklich ist, wer vergisst, was doch nicht zu ändern ist” (Felice è chi dimentica quello che non può essere cambiato). Ma qui da cambiare non c’era proprio nulla. Nemmeno il gigantesco struzzo che adornava la scena come simbolo di una società del tempo che pur di non vedere, mette sempre la testa sotto la sabbia. Sala gremita ed applausi scroscianti per tutti. (La recensione si riferisce alla recita del 1 gennaio 2023) Crediti fotografici: Ufficio stampa del Teatro Carlo Felice di Genova Nella miniatura in alto: la brava e simpatica Valentine Farcas (Rosalinde) Sotto, in sequenza: alcuni momenti dello spettacolo Die Fledermaus Condividi

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