SAN FRANCISCO (USA) - War Memorial Opera House, 18 giugno 2024. Per il secondo anno consecutivo, il pubblico di San Francisco ha potuto apprezzare un'altro titolo operistico della compositrice finlandese Kaija Saariaho, morta all'età di settant'anni nel giugno 2023, curiosamente pochi giorni prima della rappresentazione della sua seconda opera Adriana Mater da parte della San Francisco Symphony Orchestra. Quest'estate l'Opera di San Francisco ha offerto la prima esecuzione americana dell'ultima opera in cinque atti della Saariaho, intitolata Innocence, la cui prima assoluta è avvenuta nell'estate del 2021 al festival di Aix-en- Provence in Francia. Per circa due ore di durata e senza interruzioni, l'opera della compositrice finlandese affronta un tema attuale, tragico, anche se nuovo per la scena operistica, quello dell’uso delle armi e della conseguente tragedia accaduta in una scuola dove si verificò un massacro con la morte e il ferimento di diversi studenti. La storia fittizia si svolge nella nativa Finlandia, ma all’opera viene conferito un carattere universale, riferendosi ad una situazione che non è specifica di un singolo paese, città o regione, e che purtroppo si può verificare ovunque nel mondo turbolento in cui viviamo proprio per la facile acquisizione di armi, per l’aumento della violenza, così come per la mancanza di attenzione alle questioni legate alla salute mentale da parte delle società.

Guardando quest'opera mi sono ricordato di ciò che aveva detto una volta il regista spagnolo Calixto Bieito, il quale, a proposito delle sue messe in scena controverse una volta fece notare «... che affrontare temi forti su un palco d'opera potrebbe causare disagio o disgusto, quando in realtà basta accendere la tv per vedere le tragedie che accadono quotidianamente nel mondo reale», argomentazione che mi trova d'accordo, ma al quale aggiungerei che non è possibile misurare l'emozione e la commozione che uno spettacolo teatrale può trasmettere e provocare anche perché associato all'intensità della musica, e la conferma l’ho avuta in questa stessa performance con la presenza di una donna anziana che, seduta accanto a me, ha singhiozzato durante l'intera esecuzione.
Un altro dettaglio che ha dato un tocco universale alla vicenda era che i personaggi dell'ampio cast si esprimevano in varie lingue, cantando e parlando in inglese, finlandese, rumeno, francese, svedese, tedesco, ceco, greco e anche spagnolo.
Il libretto originale di Sofi Oksanen è in lingua finlandese, anche se è stato successivamente adattato ad un testo multilingue, che è quello ascoltato in questa rappresentazione americana, di cui era responsabile Aleksi Barrière.
Questa varietà di linguaggi tocca indirettamente un’altra questione, quella dell’immigrazione, persone che si spostano per ragioni economiche, politiche, di studio e familiari, e che hanno arricchito altre società con i loro costumi, visione e modo di concepire la vita, o che sono arrivati invece a pervertirla generando tensioni sociali e razziali, cosa oggi molto attuale.

In scena si è visto l'allestimento originale utilizzato nella première dell'opera in Francia, ideato da Chloe Lamford, che ha creato un cubo a due livelli, posto al centro del palco, e che ruotava durante tutta la rappresentazione, mostrando diverse scene, come un elegante ristorante, un'aula scolastica, la cucina e un salone delle feste, o anche l'ingresso e i corridoi della scuola, con i costumi eleganti e moderni di Mel Page. La regia è stata curata da Simon Stone, e le luci a tratti buie, cupe e in toni bianchi intensi e luminosi curate da James Farncombe, hanno contribuito a creare un'atmosfera di tensione e di ansia.  La regia di Simon Stone, qui ripresa da Luoise Baker, mostra l'angoscia dei personaggi, a tratti un po' esagerata, perché sebbene il motivo sia noto, il tema che pervade la storia sembra a tratti molto ripetitivo, e alcune scene, come gli studenti massacrati, sembrano a volte molto grafiche, ma alla fine si capisce che non è una questione facile da affrontare sul palcoscenico.
La storia inizia con un matrimonio, nella tranquillità di Helsinki, tra Tuomas, un giovane finlandese, interpretato con intensità ed eloquenza dal tenore americano Miles Mykkannen con la giovane rumena Stela, conosciuta durante la sua vacanza in Romania, e che è stata impersonata in modo eccezionale dal soprano olandese Lilian Farahni, che si è mostrata coinvolta scenicamente, rendendo il suo personaggio credibile, con un timbro intenso, morbido e vivace e con acuti energici.
Alle nozze partecipano Henrik, il padre di Tuomas, interpretato con esperienza e abilità dal baritono americano Rod Grilfry, sua madre Patricia, interpretata con eleganza, grazia, e angoscia e inquietudine convincenti, e con timbro penetrante, dal soprano canadese Claire de Sévigné, e il prete interpretato dal basso islandese Krisin Sigmundsson. Finché non entra in scena la cameriera ceca Patrizia, alla quale ha dato vita con buona interpretazione recitativa e vocale il mezzosoprano rumeno Ruxandra Donose, che riconosce in Henrik e Patrizia i genitori dell'assassino di sua figlia Markéta, uccisa dieci anni prima alla scuola internazionale che frequentava a Helsinki.
È così che si svolge la storia, con gli studenti assassinati e l’insegnante della classe, che compaiono, vagando, impersonati da un nutrito cast di noti cantanti e attori, I personaggi, morti, appaiono in scena per rivivere il tragico momento che hanno vissuto, descrivono i loro traumi, i danni fisici e psicologici che l'evento ha causato a chi è sopravvissuto, e i sogni troncati di chi è morto tragicamente.
Una svolta nella storia narrata nel libretto, avviene con l'apparizione di Iris, una studentessa francese, interpretata da Julie Hega, la quale rivela che oltre ad essere stata complice dell'assassino, anche il fratello Tuomas, è stato complice dell'evento sapendo delle sue intenzioni, e facendo proprio il desiderio di Patrizia di smascherarlo, porta Tuomas a confessare a Stela la verità che angoscia lei e i suoi genitori.
I momenti visivamente più sorprendenti per il pubblico sono il ricordo degli studenti che scappavano per salvarsi la vita e poi la visione dei corpi crivellati e insanguinati. In nessun istante si è vista la presenza dell'assassino sulla scena, ma quanto è stato inscenato ha creato un vero sentimento di angoscia e preoccupazione nel pubblico, il che è un merito artistico della regia, incluso l’uso delle luci e di alcuni suoni amplificati da Timo Kurkikangas.
Vale la pena menzionare l’impegno del soprano Vilma Jää nel ruolo di Markéta, un personaggio-spettro la cui presenza in scena era a perenne ricordo della tragedia e dell'impotenza che permea la vicenda, e che ha eseguito canzoni popolari finlandesi arrangiate appositamente per questo ruolo dalla compositrice.
Degni di menzione sono stati gli studenti come il soprano norvegese Beate Mordel nel ruolo di Lilly, il tenore colombiano Camilo Diaz Delgado nel ruolo di Jerónimo, il soprano Marina Dumont nel ruolo di Alexia e il soprano Lucy Shelton nel personaggio della maestra Cecilia, ruolo più parlato che cantato, e gli altri attori muti in palco, oltre a Rowan Kievits nei panni dello studente tedesco.
Buono il contributo del coro, composto per l'occasione da quaranta elementi, che ha cantato con intensità e uniformità, ai lati del palco fuori dalla vista del pubblico e nell'oscurità, sotto la direzione del suo maestro titolare John Keene.
Con a disposizione un'orchestra composta da una varietà di strumenti tipici dell'opera contemporanea, sessantaquattro in totale, principalmente ottoni, strumenti a fiato (flauti, oboi, clarinetti, trombe) percussioni, arpa, pianoforte, celesta, la partitura suonava musicale, sonora, compatta, a volte come se fosse una colonna sonora cinematografica, creando momenti di intensità con il ricorso anche alla atonalità con impeto, ardore e rigore, cosa che catturava l'attenzione del pubblico assorbito dalla storia e dalla resa orchestrale.

Il direttore d'orchestra francese Clément Mao-Takacs, che aveva già concertato ed eseguito l'opera altre volte, ha mostrato gusto e conoscenza della musica contemporanea e lo ha fatto con notevole cura, con una direzione di scena diretta, entusiasta, ed energica quando richiesto. In definitiva si può riassumere come una produzione unica e particolare, con un cast internazionale di artisti provenienti da ogni parte del mondo. Dopo la sua prima mondiale al festival di Aix-en- Provence in Francia, l'opera è stata vista nei teatri d'opera di Helsinki, Amsterdam e Londra, e dopo il debutto americano, come annunciato, sarà presto all'Adelaide Australia Opera e al Metropolitan di New York, un'altra delle compagnie che, insieme alle precedenti, hanno commissionato il progetto.

Crediti fotografici: Cory Weaver / San Francisco Opera
Nella miniatura in alto: la compositrice finlandese Kaija Saariaho
Sotto in sequenza: belle immagini d'assieme di Cory Weaver dell'allestimento californiano

CENTO (FE) - Poteva essere una rappresentazione suggestiva al pari di "Nelle ore e nei luoghi di Tosca" (la famosa diretta dell'opera di Giacomo Puccini realizzata a Roma nel 1992 da Patroni Griffi e Andermann) questa Tosca itinerante ideata dal management del Teatro Borgatti di Cento e sostenuta da sponsor locali che si sono dimostrati entusiasti dell'iniziativa. Dunque, i luoghi: il primo atto avrebbe dovuto svolgersi nella Basilica di San Biagio, la chiesa principale di Cento, ricca di opere d'arte, barocca ma con preziose reminiscenze rinascimentali; il secondo atto sarebbe stato all'aperto presso il Monumento ai Caduti realizzato nel 1931 dall'architetto Gian Francesco Costa e luogo quanto mai suggestivo per quella struttura a tre archi e quattro colonne doriche che richiamano la pulizia e l'aura neoclassica dell'estetica imperiale italiana; il terzo atto sarebbe stato collocato in uno spazio aperto ma raccolto dentro la bellissima Rocca di Cento.

Poteva essere... invece il maltempo caratteristico di questa irriconoscibile primavera ci ha messo lo zampino: meteo variabile ma stabile al mattino e al pomeriggio... e pioggia anche a scosci a partire dalle ore 20 e fino al termine della rappresentazione, che si è svolta - facendo di necessità virtù - interamente dentro la Basilica di San Biagio.
Suggestiva la collocazione dentro quella chiesa, ma non premiante dal punto di vista acustico; il fronte (quasi un palcoscenico con ambientazione naturale e non scenografica, a parte il grande quadro della Maddalena che Cavaradossi stava dipingendo) era collocato nella zona dell'altare, sotto la volta a cupola dell'abside, meraviglia per la vista degli spettatori; e l'orchestra era collocata all'ingresso della Basilica; il pubblico in mezzo. L'effetto dell'orchestra era di una presenza tonitruante, naturalmente amplificata dai rimandi della volta a cupola; l'effetto del canto (a voce viva, quindi non amplificato elettronicamente) era in pratica una confusa sommersione dentro il mare di suoni strumentali, soprattutto quando intervenivano gli ottoni.
Insomma, un canto non giudicabile dal punto di vista critico: e comunque hanno "partecipato" (usiamo il participio passato del verbo "partecipare" anziché del verbo "cantare") impegnandosi lodevolmente il soprano Rosanna Lo Greco (Tosca), il tenore Vicent Romero (Mario Cavaradossi), il bass-baritono Alberto Bianchi Lanzoni (Scarpia), e ancora: Davide Soldini (Angelotti), Francesco Facini (Sagrestano), Fabiano Naldini (Spoletta), Michele Sitta (Sciarrone) e la giovanissima Camilla Baravelli Sabena (Un pastorello).
Presenti in scena anche il Gruppo Storico Centese in costumi rinascimentali. Sul podio della volonterosa Orchestra Città di Ferrara era il maestro Aldo Salvagno, il coro di voci bianche del Teatro Comunale di Bologna era istruito da Alhambra Superchi, mentre il Coro Colsper dell'Emilia Romagna era istruito da Andrea Bianchi; la regia era affidata a Giorgio Zecchi.
Giusto, proprio il regista è stato forse il più penalizzato dal meteo capriccioso, perché non gli è riuscito possibile d'attuare quel che esso stesso si era proposto: «... ogni dettaglio della messa in scena è stato pensato per coinvolgere da subito lo spettatore e per far nascere un'emozione immediata.»
Sarebbe stata una regia nel segno della tradizione e conforme ai contenuti del libretto di Illica e Giacosa, finalmente...
Il pubblico aveva fatto registrare l'esaurito, ogni posto a sedere dentro la Basilica era occupato; e proprio il pubblico si è dimostrato comprensivo e calorosissimo, con ovazioni prolungate al termine della recita.
Detto ciò e fatta la cronaca essenziale, resta da tirare una conclusione, un pensiero, una considerazione (chiamatela come volete...): l'opera lirica - per quanto riguarda ambientazione, costumi, oggettistica, movimenti scenici di solisti e masse - può essere (deve essere) innovativa allo scopo di avvicinare nuove frange di spettatori, soprattutto giovani. Ma "innovazione" è parola assolutamente diversa dalla parola "provocazione" e implica, oltre all'originalità dell'idea creativa, anche l'equiparazione del gesto e della scena allo spirito dichiarato dei creatori (musicista e librettista) oltre all'umiltà di servizio degli allestitori.
Le cosiddette "regie moderne" stravolgenti e irridenti, stupefacenti e psico-filosofico reinterpretanti, tronfie e tutt'altro che cogenti, sono e resteranno sostanzialmente perdenti rispetto alla messa in scena così come concepita dai creatori. Absid Invidia Verbo (Sia lontana l'ostilità dalla mia parola, Tito Livio, nell'Anno Zero dell'era cristiana) dico io, rubando la frase a Tito Livio.

Crediti fotografici: Ufficio stampa del Teatro Borgatti di Cento
Nella miniatura in alto: il soprano Rosanna Lo Greco (Tosca)
Sotto a destra: il direttore Aldo Salvagno
Al centro in sequenza: Vicent Romero (Mario Cavaradossi); Rosanna Lo Greco; Alberto Bianchi Lanzoni (Scarpia); Vicent Romero e Rosanna Lo Greco nel duetto del primo atto
Sotto in sequenza: panoramiche e istantanee su diversi momenti della rappresentazione

FERRARA - Ottima messa in scena nel Teatro "Claudio Abbado" dell' Orlando Furioso di Antonio Vivaldi nella edizione critica curata da Federico Maria Sardelli e Alessandro Borin. Il maestro Sardelli era anche sul podio della brava Orchestra Barocca Accademia dello Spirito Santo di Ferrara. Quindi tre atti, così come Vivaldi ideò per la premiere al Teatro Sant'Angelo di Venezia nell'autunno del 1727.
Ottima messa in scena, oltre che per la comprovata efficacia di Sardelli nell'esecuzione del repertorio barocco, soprattutto per la visionaria regia di Marco Bellussi, coadiuvato da Fabio Massimo Iaquone (ideazione e regia video), Matteo Paoletti Franzato (scene), Elisa Cobello (costumi) e Marco Cazzola (luci).
La visionaria regia ci trasporta nel poema ariostesco (o quantomeno in ciò che del poema dell'Ariosto utilizzò a suo tempo il librettista Grazio Braccioli) dove tutto è fantascientifico: storia, atteggiamenti, intrecci, scene e costumi, ma soprattutto proiezioni che fanno immergere dentro le immagini luminose, i protagonisti che stanno cantando un'aria o simulando un "affetto". Qualcosa di mai visto prima - almeno nel Teatro Abbado di Ferrara - il che fa pensare che le nuove e modernissime tecniche scenografiche messe a punto per questo Orlando Furioso faranno storia, contribuendo a un rilancio di tutta l'opera e dei suoi contenuti. Perché una messa in scena così magica (non intendiamo il contenuto quanto piuttosto il contenitore) va oltre la "provocazione" delle regie (e scenografie) cosiddette moderne e ha il pregio di reinventare azioni spazi e luoghi che sono sì ammodernati - addirittura d'avanguardia - e ciò tuttavia rimangono fedelmente pertinenti allo spirito della narrazione librettistica, per quanto riguarda l'ambiente della storia messa in musica.
Allora i personaggi si muovono "dentro" a tridimensionali parole o versi; parole e versi che ribattono termini e luoghi del poema ariostesco "navigando" sul fondale, sulle quintine, sui teli trasparenti del proscenio e investendo i cantanti in scena. Oppure gli stessi personaggi si muovono al limitare di un bosco che sembra vero perché tridimensionale e i rami e le foglie si agitano al vento mentre le nubi transitano nel cielo. Oppure - ancora - sono gli astri (le galassie, la luna) che fanno da fondale all'azione rendendo percettibile l'inimmaginabile. Insomma una (chiamiamola) realtà aumentata che ha l'effetto di meravigliare, ma anche di sedurre lo spettatore. Tutto questo in uno stile che ha fatto dell'eleganza e del nitore il principale concetto visivo della messinscena.

Al risultato del nitore e dell'eleganza hanno contribuito i costumi di Elisa Cobello, prevalentemente in bianco e nero, o tonalità varie di grigio (salvo quello della Bradamante che è rosso vivo e quello di Ruggiero, striato rosso) e poi la penombra dominante sul palcoscenico dove le luci miracolose di Marco Cazzola sui personaggi non hanno mai interferito con la luminescenza delle proiezioni di Fabio Massimo Iaquone. Insomma, una messa in scena ultramoderna - da non confonderla usando il termine postmoderna - che fa ben sperare nel ritorno della narrazione scenica e scenografica dentro a legittime pretese di coerenza drammaturgica.
Nel merito dell'esecuzione musicale: sul podio Federico Maria Sardelli ha dominato la partitura, infondendo all' Orchestra Barocca Accademia dello Spirito Santo il giusto climax interpretativo sia delle levità melanconiche, sia quelle possanze del vigore espressivo con cui Vivaldi ha raccontato con le note gli "affetti" sottintesi dai versi di Ariosto/Braccioli.
Una grande concertazione ed esecuzione, visibile in streaming per un mese come trasmesso su OperaVision ( https://www.youtube.com/watch?v=_bq4FzrIZzY )

Gli interpreti: tutti preparatissimi. Marco Bellussi ha fatto recitare figuranti, mimi e coro compresi. Tutti recitavano con una naturalezza e con quella veridicità che fanno bene al teatro d'opera, che è appunto "teatro" e non "concerto" in costume. Ottimo l'effetto. Coinvolgente il risultato.
Il regista ha ben chiarito, nelle note sul libretto di sala che il luogo da lui pensato per questo Orlando Furioso è «... uno spazio delineato, una dimensione conclusa che afferisce al protagonista carismatico dell'opera. Non Orlando, bensì Alcina la maga. Nel suo palazzo si consumano le intricate vicende previste dal librettista Grazio Braccioli sulla base del testo ariostesco e mirabilmente espresse dalla musica di Antonio Vivaldi. Siamo dunque in un palazzo dai perimetri definiti ma non certi. È la mistificazione della magia che li dilata e li deforma... nel disegno di Matteo Paoletti Franzato le pareti del palazzo sono dunque specchio. Specchio è anche il soffitto della reggia. Ne deriva che tutto ciò che in essa avviene può essere realtà o riflesso distorto della stessa.»
Nel ruolo di Orlando ha giganteggiato il contratenore Yuriy Mynenko che è dotato di una vocalità non da falsettista che canti con la gola, ma da soprano raffinato che sa dosare fiati, appoggio, canto di petto e canto in maschera con ottima intonazione, fraseggio e dinamica.
Bravissime anche Arianna Vendittelli (Angelica) e Sonia Prina (Alcina) le cui doti di barocchiste e belcantiste sono fuori discussione. Ottimi anche Filippo Mineccia (Ruggiero), Chiara Brunello (Medoro), Loriana Castellano (Bradamente) e Mauro Borgioni (Astolfo).
Molto ben preparato il Coro Accademia dello Spirito Santo istruito da Francesco Pinamonti e un plauso anche alla danzatrice (non citata in locandina) e ai figuranti e mimi.

Teatro Abbado praticamente esaurito con pubblico lungamente plaudente al termine della rappresentazione.
(la recensione si riferisce alla recita di venerdì 5 aprile 2024)

Crediti fotografici: Marco Caselli Nirmal per il Teatro Comunale "Claudio Abbado" di Ferrara
Nella miniatura in alto: il regista Marco Bellussi
Sotto, in sequenza: Arianna Vendittelli (Angelica); il direttore Federico Maria Sardelli; panoramiche di Marco Caselli Nirmal su scene e costumi
In fondo: i ringraziamenti del cast e dello staff di palcoscenico al termine della recita