SPOLETO – Il Teatro Lirico Sperimentale “A.Belli” ha messo in scena la Turandot di Giacomo Puccini come ultima opera della sua stagione lirica. Due le note salienti da mettere in rilievo: la prima, che l’allestimento ha scelto il finale di Luciano Berio rispetto a quello tradizionale di Franco Alfano; e la seconda, che nel ruolo della Principessa di Ghiaccio - la sera del 15 settembre al Teatro Nuovo - ha cantato la giovane Suada Gjergji e con essa il mondo del melodramma ha trovato la Turandot dei prossimi 15 – 20 anni, poi diremo perché.
Ma partiamo dalla prima nota saliente: il finale di Berio. È talmente bello musicalmente che meriterebbe di essere “espunto” dall’opera per costituire un brano a sé, di Puccini-Berio se proprio lo si dovesse cointestare. Fior di musicologi hanno spiegato e scritto perché Berio abbia rispettato più di Alfano gli appunti lasciati da Puccini morto prima di concludere l’opera. Ma se questo è vero, è altrettanto vero che il compositore ligure (scomparso nel 2003) ha musicato le intenzioni del maestro lucchese (scomparso nel 1924) traendone una musica in totale sincronia con l’estetica novecentesca… una realtà che si contrappone nella sua concretezza alle intenzioni, categoria dello spirito immateriale.
Questo finale è poco più di un quarto d’ora di musica, ma è del tutto autosufficiente; non servirebbe neanche spiegare che proviene dalla favola/melodramma chiusasi con la morte di Liù e con il suo corteo funebre.
Il finale Puccini-Berio starebbe bene in dittico con, ad esempio, Le Villi (prima opera di Puccini), oppure con uno dei tre lavori del Trittico vista la tendenza d’oggi di scorporare una parte del Trittico ad uso dittico abbinando con Cavalleria rusticana di Mascagni, Pagliacci di Leoncavallo o tout-court con prime esecuzioni assolute di autori tuttora viventi.

E veniamo alla seconda nota saliente: Suada Gjergji. Soprano lirico spinto ha in gola tre doti essenziali: la potenza della voce, l’intonazione cristallina, l’emissione piena e rotonda anche per gli acuti estremi e tenuti. E poi ha - anche e soprattutto - una straordinaria capacità mimica, sia facciale, sia corporea in generale, per cui il personaggio che affronta non è interpretato, bensì è vissuto. La parte di Turandot non la imbarazza, né la impensierisce, ed ha dimostrato di saperla affrontare con la baldanza e la sicurezza di chi crede nei propri mezzi. La attendiamo in altre prove con personaggi di grande carattere e impervia vocalità: Abigaille del Nabucco e Aida di Verdi, Norma di Bellini (sì, anche nel drammatico di agilità), Francesca da Rimini di Zandonai… e poi Wagner, dove ella volesse…
L’altro soprano di questa Turandot, nel ruolo di Liù, era Alessia Merepeza: vocalità interessante ma forse esuberante per la delicata figura (anche musicalmente) della piccola schiava innamorata di Calaf. La Merepeza ha impersonato una Liù poco lirica e vocalmente piuttosto drammatica e nel merito possiamo dire che ha molto da lavorare sul suo buon materiale vocale migliorando la tecnica, i passaggi di registro e soprattutto il canto in maschera. I buoni suoni di petto non sempre possono sostituire con efficacia il canto a fior di labbra.
Deludente il tenore. Nel ruolo di Calaf  Dario Di Vietri non ci ha convinto; il colore disomogeneo della sua emissione e l’evidente affaticamento della voce nel duetto con Turandot alla fine del secondo atto, così come nel canto di Nessun dorma con quella nota finale tenuta breve per precauzione, non lo fanno salire - per noi -  agli onori della cronaca. Comunque è stato lungamente applaudito dal pubblico di Spoleto. Ma è giovane: sappia che il consenso del pubblico non deve illudere che si è al top.

Bravi gli interpreti delle tre maschere: Davide Peroni (Ping), Oronzo D’Urso (Pong) e Roberto Manuel Zangari (Pang). Un plauso anche al basso Giordano Farina interprete di un efficace Timur, ed al baritono Giovanni Luca Failla (Un Mandarino).
Ma fra i comprimari la sorpresa più bella è stata quella del tenore Francesco Domenico Doto (nel doppio ruolo di mimo come Principe di Persia e poi in quello dell’ Imperatore Altoum), uno squillo prezioso e un timbro chiaro e affascinante. Completava il cast la poderosa presenza del mimo Cristina Scaramucci nel ruolo del boia Putin-Pao.
Sul podio della brava Orchestra del Teatro Lirico Sperimentale “A.Belli” era l’ottimo Carlo Palleschi che ha espresso il miglior strumentale della serata proprio nel finale musicato da Berio. Ha saputo concertare la parte pucciniana - aiutando anche i cantanti - traendo dagli esotismi della partitura momenti di felice suggestione auditiva. Bravi anche il Coro e il Piccolo Coro del Teatro “A.Belli” sotto la guida di Mauro Presazzi.
Infine la regia di Alessio Pizzech: ambientata in gran parte (ci è sembrato) in un manicomio pre legge Basaglia racconta un’altra cosa rispetto al libretto di Giuseppe Adami e Renato Simoni, come è ormai consuetudine dei registi di quella che definiremmo la nouvel-nouvel-vague operistica (parafrasando il cinema francese). Pizzech è molto bravo nel suo lavoro; e molto convinto che ci sia un’esegesi oltre i fatti raccontati dal libretto: lui la cerca, vuole scoprirla, spiegarla, entra nelle intenzioni (come Berio, appunto) che proliferano come sottintesi, metafore, simboli dentro ogni racconto reale, contrapponendo ai fatti un presunto significante che ne annulla il significato, o forse lo arricchisce. Comunque lo stravolge. La sua ambientazione nel primo atto è scarna (fondale nero con luna piena luminosissima), mentre nel secondo e terzo atto è minimalista (il manicomio, abbiamo detto). Hanno collaborato con Pizzech lo scenografo Andrea Stanisci, la costumista Clelia De Angelis, l’assistente alla regia Lisa Nava.
Applausi calorosi e prolungati per tutti a fine recita.

Replica a Spoleto domenica 17 settembre, poi circuitazione per la Stagione Lirica 2023 dell’Umbria, a Perugia (Teatro Morlacchi, 18 e 19 settembre), Foligno (Politeama Clarici, 20 settembre), Città di Castello (Teatro degli Illuminati, 21 settembre) e Todi (Teatro Comunale, 22 e 23 settembre).
(la recensione si riferisce allo spettacolo di venerdì 15 settembre 2023)

Crediti fotografici: Riccardo Spinella per il Teatro Lirico sperimentale “A.Belli” di Spoleto
Nella miniatura in alto: il soprano Suada Gjergji (Turandot)
Sotto, in sequenza: ancora Suada Gjergji; il tenore Dario Di Vietri (Calaf); il soprano Alessia Merepeza (Liù); scena della decapitazione del Principe di Persia
Al centro, in sequenza: le 3 maschere Ping, Pong e Pang con Calaf; il Coro e il Piccolo Coro del Teatro “A.Belli”
In fondo: scena finale di questa Turandot con i due protagonisti amorosi scesi fra il pubblico della platea

Dopo l’esperienza maturata in più di 10 anni di Biennio sperimentale di Musicoterapia unica in Italia, il Conservatorio Girolamo Frescobaldi di Ferrara attiva il Biennio ordinamentale, in seguito all’entrata in vigore del DM 2905 del 6.12.2021 che istituisce l’ordinamento didattico del corso di diploma accademico di secondo livello AFAM Teorie e tecniche in Musicoterapia.
Lo ha annunciato la direttrice del Conservatorio, prof.ssa Annamaria Maggese, che ha aggiunto: «... è un importantissimo riconoscimento tributato al Conservatorio Frescobaldi, che lo ha perseguito con tenacia e grande lavoro di squadra. La lunga esperienza maturata in dieci anni di Biennio sperimentale, grazie all'apporto di docenze tra le più qualificate in Italia e della collaborazione con le Unità di Medicina Riabilitativa Gravi Cerebrolesioni Acquisite dell'Azienda Ospedaliera Universitaria di Ferrara, confluirà in questo nuovo percorso, in cui punti di forza sono l'obbligatorietà di 250 ore di tirocinio e l'esercizio di metodologie della Ricerca nella formazione curricolare. La Musica potrà, in questa accezione di aiuto e  solidarietà, ancora una volta riaffermare il suo antichissimo potere taumaturgico e la sua centralità nella società umana, come strumento nel riportare l'animo umano alla luce e nel liberarlo dalle catene del dolore.»

Nello specifico, il Decreto del Direttore Generale 1341 del 23/08/2023, facendo seguito alla richiesta di attivazione inviata dal Conservatorio Frescobaldi di Ferrara, raccolti i pareri positivi dal CNAM (Consiglio Nazionale per l’Alta Formazione Artistico Musicale) e dell’ANVUR (Agenzia Nazionale di Valutazione del Sistema Universitario e della Ricerca), autorizza l’attivazione a partire dall’anno accademico 2023-2024 del corso accademico di secondo livello denominato Teorie e tecniche in Musicoterapia.
Il corso, accessibile da chi ha conseguito un diploma accademico di primo livello in un’istituzione AFAM o presso un’Università ad indirizzo scientifico - sanitario o psicologico, e conseguito i crediti afferenti agli ambiti psicologici, pedagogici e musicali, si articola in due anni di studio.
Il Biennio conferisce ai diplomati la capacità di integrare la formazione musicale e musicoterapica con una formazione in area psicologica, medica e pedagogica, sviluppando la capacità di utilizzare professionalmente la musica e i suoi elementi come forma d’intervento in ambito medico, educativo e della vita quotidiana con individui e gruppi e di realizzare interventi progettuali che prevedono l’utilizzo mirato della musica nei settori educativo, di integrazione personale e sociale, riabilitativo e terapeutico.
Dal punto di vista occupazionale, oltre alla prospettiva dell’insegnamento, i diplomati potranno inserirsi come professionisti della Musicoterapia nell’ambito della relazione d’aiuto per la realizzazione di percorsi finalizzati all’integrazione/sviluppo personale e sociale, alla riabilitazione e alla terapia presso ospedali, hospices, centri diurni, case di riposo per anziani, strutture assistenziali residenziali per disabili, carceri, comunità di integrazione e recupero, cooperazione sociale; o nell’ambito scolastico per la realizzazione di percorsi finalizzati alla prevenzione, inclusione e cura del disagio giovanile presso scuole di ogni ordine e grado.

A Ferrara, per la realizzazione del Biennio, le docenze saranno affidate direttamente al Conservatorio di Musica Frescobaldi per quanto riguarda l’area musicale e musicoterapica, mentre per gli insegnamenti di area medica sono state stipulate convenzioni con l’Università Cattolica di Milano e con l'Azienda Ospedaliera Universitaria di Ferrara che erogheranno, anche in modalità a distanza, le lezioni delle materie afferenti all’area scientifico - sanitaria e psicologica ed ospiteranno i tirocini.
L’iscrizione al Biennio è subordinata al possesso dei 48 crediti propedeutici come stabilito dal DM 2905 del 6.12.2021 e al superamento dell’esame di ammissione. I termini per presentare domanda sono fissati per il 15 ottobre 2023, mentre gli esami si svolgeranno a metà novembre.
Le informazioni per fare domanda di ammissione sono reperibili sul sito www.consfe.it alla sezione didattica.

Crediti fotografici: Ufficio stampa del Conservatorio Girolamo Frescobaldi di Ferrara
Nella miniatura in alto: Frescobaldi nel logo dell'omonimo Conservatorio di Musica di Ferrara
Al centro: il portone d'ingresso del Conservatorio con la sovrastante statua di Girolamo Frescobaldi realizzata nel 1942, opera dello scultore Giuseppe Virgili
Sotto: la direttrice del Conservatorio ferrarese, prof.ssa Annamaria Maggese

FERRARA - Tanto tuonò che piovve... no, cioè... tanto piovve che tuonò. Il ribaltamento del proverbio calza a pennello per la polemica politica che da oltre tre mesi coinvolge pubblicamente Ferrara a proposito della scelta dell'amministrazione comunale di centro-destra di consentire alla Barley Arts di svolgere nello scenario naturalistico del Parco Urbano "Giorgio Bassani" di Ferrara il megaconcerto pop-rock di Bruce Springsteen.
Ma raccontiamo con ordine i fatti, per i nostri lettori non residenti nella città estense.
Dunque il 14 luglio 2021 il genaral manager di Barley Arts, Claudio Trotta, presenta ufficialmente alla stampa locale il suo Comfort Festival che si svolgerà a metà settembre 2021 sui prati del Paco Bassani. Affascinato dal luogo, Trotta avanza un'idea, alla presenza del sindaco di Ferrara, Alan Fabbri, dell'assessore alla cultura, Marco Gulinelli, del direttore generale del Teatro "Claudio Abbado", Moni Ovadia, e della stampa locale: riportare "the Boss" in Italia dopo 7 anni dall'ultimo tour; e come prima tappa del nuovo tour scegliere Ferrara, il Parco Urbano "Giorgio Bassani" quale location per il mega concerto. Gli spazi sono ampi, i prati ben tenuti, il laghetto è una suggestione poetica, il luogo è fuori le mura, nella campagna che dalla "Casa del boia" (dimora rinascimentale a Porta degli Angeli. Così la chiamano da queste parti) si estende quasi fino all'argine del Po.
Un luogo ameno per le passeggiate nel verde, per un pic-nic, o un bagno di sole, a due passi dal centro cittadino, attrezzato anche con un punto ristoro molto spartano per chi ne percorra i vialetti, i prati, il bosco.
L'idea avanzata da Claudio Trotta fa sfavillare gli occhi del sindaco, da sempre un cultore della musica rock (e poi "il Boss" è il Boss ovunque sul globo terracqueo); non da meno sfavillano gli occhi dell'assessore alla cultura, mentre Moni Ovadia, sornione, sorride (ci sarà sicuramente un ruolo anche per il Teatro Abbado di cui è direttore generale).

Detto fatto, la giunta comunale approva nei mesi successivi (dopo il Comfort Festival edizione 2021, che è stato un successo di partecipazione di pubblico) lo svolgimento del concerto di "the Boss" nel Parco Urbano e viene stabilita la data: 18 maggio 2023.
Il dibattito, da culturale quale poteva essere, diventa immediatamente politico: l'opposizione di centro-sinistra si schiera per il sì al concerto; ma assolutamente no nel Parco Urbano "Giorgio Bassani" e suggerisce locations alternative. Nascono comitati pro e contro, il confronto si infiamma di polemiche sulla stampa cartacea, sulla stampa on-line, sui social, e persino nelle discussioni al bar. Ma niente, la giunta di centro-destra tira dritto: il concerto di "the Boss" si farà al Parco Bassani.
E arriviamo così alle prime settimane del maggio 2023, quando cominciano i lavori di allestimento del grande palco e il Parco Bassani viene chiuso al pubblico. Devono transitare camion che portano le attrezzature, muoversi trattori nel cantiere durante l'allestimento, essere stese e messe in sicurezza condutture elettriche, eccetera... insomma, parco chiuso.
Intanto i biglietti del concerto, che andavano a ruba già da mesi, raggiungevano le 50 mila presenze.
Caso (o sfortuna) volle che proprio la settimana degli ultimi lavori di allestimento si scatenasse pure a Ferrara quella piovosità eccezionale che ha allagato la Romagna; anche alcune aree del parco urbano sono andate sott'acqua, mentre i mezzi pesanti continuavano a transitare e a lavorare, muovendosi sui vialetti e nel prato, ma le pompe idrovore fatte giungere in grande fretta hanno consentito il completamento dell'allestimento.
Naturalmente nella zona interessata dal concerto il coltro erboso imbevuto d'acqua (pioveva anche durante il concerto del 18 maggio) non ha resistito al traffico di mezzi e al calpestio di 100 mila piedi ed è andato distrutto, nonostante la tanta paglia distribuita per rendere meno aggressiva la fanghiglia. Anche i vialetti sono stati distrutti dal traffico dei mezzi pesanti.
Il concerto è andato bene... e mentre i romagnoli stavano in ammollo, qui a Ferrara si è celebrato il più grosso concerto di sempre, con l'organizzazione (parcheggi, accoglienza, ordine pubblico, ristorazione) che è stata impeccabile, nonostante l'inclemenza del tempo.
Al termine del concerto, l'area interessata era praticamente da rifare. Per riportarla alla auspicata agibilità e funzionalità, l'amministrazione comunale ha stanziato 300 mila euro affidandoli al Teatro Abbado che ha gestito l'appalto dei lavori, e il Parco Urbano "Giogio Bassani" è stato sistemato. Ma tra allestimento e ripristino è rimasto chiuso al pubblico per più di tre mesi.
Non ci preme - qui - rinfocolare la polemica politica che non si è acquietata, anzi è divampata ancora di più. Sarà il tempo, che è sempre galantuomo, a mostrare anche in termini di consenso elettorale le conseguenze del dibattito infuocato. Una cosa è vera: in tutta questa vicenda il dibattito è stato (è ancora) infuocato, ma protagonista assoluto è (e rimane) il pubblico, la gente, la maggioranza silenziosa...
Intanto però compete a questa testata di dar conto d'una scelta intelligente: la riapertura (qui chiamata da molti "l'inaugurazione"), con il coltro erboso nuovamente rigoglioso e calpestabile, i vialetti rifatti non più ghiaiosi ma con conglomerato bituminoso che (dicono) è ecologico, è stata fatta con una "Alba di musica" dove protagonista - stavolta - era la musica classica: Mozart, Weber, Vivaldi.
Il concerto classico a ingresso gratuito era in programma alle ore 6 di mattina, domenica 23 luglio 2023, e ha raccolto duemila persone; duemila persone che fin dalle cinque e un quarto hanno cominciato ordinatamente ad affluire, riempiendo le mille sedie disponibili e poi assiepandosi in piedi attorno alla platea di chi stava comodamente seduto. I commenti più maliziosi e meno veritieri sono stati che quel grande afflusso fosse tale perché dopo il concerto classico l'amministrazione comunale offriva la prima colazione gratis a tutti.

Ma non ci sembra sia così: il dibattito, le polemiche, la voglia di vedere come era stato sistemato il Parco Bassani e (ne siamo sicuri) soprattutto essere presenti allo spuntare del sole quando si diffonde nell'aria la musica di Mozart, Weber, Vivaldi, è un'esperienza unica.
Poi c'era la novità: un giovane pianista ferrarese di 14 anni, Giovanni Bergamasco, già vincitore di un concorso pianistico, che eseguiva la Sonata in Si bemolle maggiore K.281 di Mozart. Il ragazzo è veramente talentuoso ed ha eseguito senza farsi né distrarre né impressionare da quella marea di gente che stava ad ascoltare.
Successivamente ha suonato il trio formato da Morena Mestieri (flauto), Valentina Migliozzi (violoncello) e Carlo Bergamasco (pianoforte, padre di Giovanni e vicepresidente del Teatro Abbado) proponendo il Trio in Sol minore Op. 63 di Carl Maria von Weber veramente in sintonia con la circostanza, perché l'opera riflette un bel momento di serenità agreste, addirittura silvestre, nella ispirazione pastorale che in vari modi si sviluppano dalla scrittura strumentale. Ben amalgamato il trio Mestieri-Migliozzi-Bergamasco, che ha saputo dare prova di ottima intesa.
Infine Le quattro stagioni di Antonio Vivaldi, il pezzo più atteso dal pubblico e più applaudito, grazie alla bella performance dell'Orchestra Città di Ferrara guidata dal violinista-direttore Antonio Aiello: è una costante, diventerà una caratteristica, quella dell'orchestra d'archi (creata in seno all'Orchestra Città di Ferrara), che esegue "alla maniera classica" con il primo violino che ha anche funzione di concertatore. E in questo duplice impegno, il maestro Aiello si è mostrato più che mai una bella realtà del panorama musicale di Ferrara.

Al termine tutti contenti, con i duemila che sciamavano ordinatamente chi verso i gazebo dove veniva distribuita gratuitamente la colazione, chi verso la città entro mura per fare colazione altrove senza subirsi la fila.
E uscendo dal Parco Bassani, al cronista è parso che la promessa del vicesindaco di Ferrara, Nicola "Naomo" Lodi, lanciata dal palco prima del concerto (dopo i saluti dell'assessore Marco Gulinelli e prima dell'intervento di Moni Ovadia), è sembrata quasi un vaticinio: «ll futuro di questo spazio? L'obiettivo è dare una nuova centralità al parco, stimolare le persone a viverlo, non solo con concerti, ma anche con mostre, sport, esposizioni. E stanno arrivando diverse proposte anche dalle associazioni.» Chissà. Se sono rose fioriranno.

Crediti fotografici: Fototeca gli Amici della Musica Uncalm
Nella miniatura in alto: il vicesindaco di Ferrara, Nicola "Naomo" Lodi
Sotto: il pubblico presente al concerto, un bel colpo d'occhio
Al centro in sequenza: il giovane pianista Giovanni Bergamasco; il trio Morena Mestieri (flauto), Valentina Migliozzi (violoncello) e Carlo Begamasco (pianoforte, coperto dalla flautista)
In fondo: l'Orchestra Città di Ferrara guidata dal violinista-direttore Antonio Aiello

TORRE DEL LAGO (LU) - Se ci fosse stato Filippo Tommaso Marinetti fra gli spettatori della recita inaugurale del 69° Festival Puccini nel gran teatro all'aperto sul lago di Massaciuccoli, avrebbe gongolato di gioia per quella Bohème di fischi e fiaschi che si è vista il 14 luglio 2023. Non tanto per i fischi e non solo per il fiaschi, ma per l'ambientazione stravolta rispetto alla vita bohèmienne scritta (traendola dal teatro-verità di Henri Murger) da Luigi Illica e Giuseppe Giacosa per la musica di Giacomo Puccini.
Il futurista F.T. Marinetti fece pubblicare infatti nel 1913 sul giornale Lacerba, il "Manifesto del teatro di varietà" dove spettacolarità e paradosso erano i pilastri portanti della messa in scena, a scapito del teatro-verità: cioè, a Torre del Lago, come un quasi ossimoro ecco la migrazione del teatro-verità nel teatro-varietà. E iersera, ligi alla tradizione ormai consueta e conformista vigente nelle regie d'opera oggi, lo scenografo Christophe Ouvrard e il regista Christophe Gayral hanno commutato le vicende da gesto minimo di Rodolfo, Marcello, Mimì, Musetta e compagni della Parigi fin-de-siecle, nel gesto massimo della contestazione francese del 1968: con tanto di quadri dipinti ed esposti col pugno da comunisti levato in alto (le tele del pittore Marcello); e manifestazioni con cortei, cartelli e striscioni ("patria", "famiglia", "Dio", "tradizione"); e majorettes sgambettanti fra acrobati e funamboli nella scena del Quartiere latino; e rapporti sessuali fra Rodolfo e Mimì ben evidenti anche se nascosti sotto una coperta, alla fine del primo quadro (nel letto in soffitta) e del terzo quadro (su un divano alla Barriera d'Enfer); e altre stupidaggini prevedibili e mistificatorie, come la minigonna di Mimì o la pelliccia elegantissima e gli atteggiamenti da puttanone di Musetta, o la carrozzina spinta di qua e di là dalla soubrette-puttanone che infierisce su un paraplegico Alcindoro nella scena del Quartiere latino.

Più che uno sgarbo a Illica, Giacosa e Puccini, è parso un insulto alla contestazione del "sessantotto" che ha significato ben altro che un vaudeville rimasticato. E a proposito di sgarbo... Sgarbi: nel senso di Vittorio Sgarbi, sottosegretario al Ministero della Cultura, che nei giorni precedenti la "prima" aveva chiesto al maestro Alberto Veronesi di non dirigere quella Bohème sessantottina che tradiva lo spirito di Puccini. Ma se Vittorio Sgarbi è un provocatore di professione, Veronesi è un provocatore di indole: così l'Alberto "Da Torre del Lago", rampollo di una meritoria e nobiliare stirpe, quella dei Veronesi "Da Milano", ha obbedito a modo suo presentandosi sul podio con una benda nera sugli occhi e annunciando un «... dirigo bendato perché non voglio vedere queste scene...»
Il pubblico numeroso (teatro gremito ma non tutto esaurito) ha cominciato a fischiarlo e a "buharlo" con epiteti, anche durante la recita, quali "vergogna!", "ridicolo!", "buffone!", "scemo!" et similia (non era per la circostanza, Alberto Veronesi a Torre del Lago viene contestato a prescindere...) al punto che - per sdrammatizzare - il sindaco di Viareggio, Giorgio Del Ghingaro, impegnato durante tutta la serata per accogliere e salutare ospiti e ospite (ospitesse?...o ospit*?... ) di riguardo, ha detto che il maestro Veronesi dirigeva bendato per dimostrare che conosceva la partitura a memoria.
Detto della regia di Christophe Gayral che ha fatto il verso (si sa: la copia è sempre peggiore dell'originale) agli spettacoli di varietà dei fatelli De Rege, dei Macario e Totò, dei Dapporto e Rascel, dei fratelli Cogniard (attivi e celebri soprattutto in Francia), resta da dire - per l'allestimento - che le scene ideate da Christophe Ouvard hanno il sapore del minimalismo: l'impianto è una grande piattaforma girevole dove su un lato è posta la soffitta con il suo slogan sessantottino graffitato sul muro ("La verità è rivoluzionaria"), una stufa non a legna ma a gas, un divano-letto, un albero di natale e poche altre suppellettili; e sull'altro lato, dapprima un Quartiere latino anonimo e anodino come un moderno autogrill; poi una Barriera d'Enfer con la relativa osteria che sembra più un chioschetto da bibite dei nostri parchi cittadini piuttosto che un pretenzioso locale bohèmienne. Sgargianti i costumi di Tiziano Musetti, che sono la vera nota colorata di tutta la rappresentazione. Luci non troppo complesse e/o non troppo elaborate di Peter van Praet.

Alcuni inconvenienti tecnici hanno reso anche gustosa la messa in scena, come l'allarme antincendio scattato durante il duetto del primo atto fra Mimì e Rodolfo («Sì, mi chiamano Mimì... ma quando vien lo sgelo...» oouuiii-wioouiui-wiiii ! scatta la sirena, una decina di secondi o poco più, con i due cantanti protagonisti che guardano più straniti che meravigliati il lato destro del palco senza interrompere l'azione). E, nel quarto quadro, l'amplificazione microfonica di sostegno al canto manifesta per più di una trentina di secondi una frequenza parassita che ronza attraverso le casse acustiche. Poi all'intervallo (posto fra i primi due quadri dell'opera e i due quadri successivi) e alla fine, la contestazione vigorosa del pubblico presente, appena appena mitigata da applausi ed elogi del tipo "bravi! bravi!" probabilmente elargiti da una claque comunque isolata e minoritaria.
In tanta e succosa cronaca, la direzione musicale di Alberto Veronesi sul podio dell'Orchestra del Festival Puccini diventa insignificante, altri sono gli argomenti con cui trattare La Bohème inaugurale.
I cantanti: su tutti la brava Claudia Pavone (Mimì) che ha gesto scenico e voce di quelle che piacciono al pubblico: la sua caratterizzazione del personaggio, snaturata dal vaudeville registico, ha potuto contare più sulla vocalità che sul phisique-du-role, dimostrandosi un soprano lirico tendente al lirico spinto che fa presagire un suo buon futuro in ruoli più drammatici.
Non da meno il tenore Oreste Cosimo (Rodolfo) che però, rispetto alla sua partner, rimane più orientato sul lirico puro-lirico leggero: lo si è notato nelle zone acute del canto sia durante il duetto finale all'unisono con il soprano del primo quadro (ritoccato all'ottava sotto per l'acuto), sia nel duetto finale del quarto quadro: comunque il suo fraseggio è pregevole, non monotono, la dizione è limpida e lo squillo d'impeto è apprezzabile (bella e pulita la nota tenuta delle "speranza" nella sua aria principale).
Eccellente il basso Antonio Di Matteo (Colline) che si è preso uno degli applausi a scena aperta più lungo dopo la sua "zimarra".
Elogio con encomio anche alla vocalità e alla presenza scenica di Federica Guida (Musetta), avvenente soubrette-puttanone come voluto dal regista.
Professionali senza lode e senza infamia tutti gli altri: Alessandro Luongo (Marcello), Sergio Bologna (Schaunard), Francesco Auriemma (Benoit e Sergente dei doganieri), Alessandro Ceccarini (Alcindoro), Marco Montagna (Parpignol).

Ben preparato da Roberto Ardigò il Coro del Festival Puccini; e ottimo il Coro delle Voci Bianche istruito da Viviana Apicella. Per il resto... chissà se passerà alla storia l'epiteto con il quale abbiamo definito questo allestimento: La Bohème di fischi e fiaschi...
(la recensione si riferisce alla recita di venerdì 14 luglio 2023)

Crediti fotografici: Ufficio stampa del Festival Puccini di Torre del Lago
Nella miniatura in alto: il bendato direttore Alberto Veronesi
Sotto: ancora il maestro Veronesi mentre dirige bendato
Al centro, in sequenza: panoramica sulla soffitta; i quattro bohèmienne nell'ordine, Sergio Bologna (Schaunard), Antonio Di Matteo (Colline), Alessandro Luongo (Marcello) e Oreste Cosimo (Rodolfo); Ancora Oreste Cosimo con Claudia Pavone (Mimì) nel primo e terzo quadro dell'opera
In fondo: la brava Federica Guida (Musetta) nel secondo quadro dell'opera

TORRE DEL LAGO (LU) - Ma la musica è ideologica? Me lo chiedo - senza troppi tormenti - ogni volta che emergono (a sinistra come a destra) prese di posizione pubbliche pro o contro l'esecuzione di musiche: atteggiamenti a volte ispirati agli «opposti estremismi» di cui, come italiani, fummo testimoni e vittime nell'ultimo trentennio del Novecento. E questo interrogativo me lo pongo anche oggi, in quanto sono riportate su tutti i giornali nazionali e locali le prese di posizione di numerosi sindaci della provincia di Lucca perché la direttora (lei vorrebbe la si chiamasse "direttore" ma il cronista ha pure la libertà di linguaggio, nell'ambito della corretta interpretazione delle consuetudini grammaticali italiane. O no?...) Beatrice Venezi ha accettato (forse proposto di suo pugno?) di far sentire nel concerto di apertura del Festival Puccini 2023 anche il semisconosciuto Inno a Roma composto di malavoglia dal maestro lucchese nel 1919 poi divenuto - nell'Italia postfascista - inno di riferimento dei neofascisti della fiamma tricolore che arde sopra la bara evocando semiologicamente la "rinascita" di figli e figliocci del Duce eja eja alalà.

Dice, dunque, la Venezi ribattendo alla protesta dei sindaci: «L’ho sempre eseguito e continuerò a farlo. Stiamo facendo una guerra all’intenzione di Giacomo Puccini. I tedeschi allora cosa dovrebbero fare con la musica di Wagner? Mi sembra che loro abbiano fatto pace con la loro memoria storica. Puccini lo scrisse nel 1919, è un inno patriottico. Continuare a leggere queste cose sotto un profilo ideologico lo trovo vetusto e superato.»
Gli esempi di "interdizione" della musica o di suoi artisti, oltre al Wagner citato dalla direttora, sono numerosi anche nell'Italia e nell'Europa degli ultimi vent'anni: potrei citare casi balzati all'onore della cronaca per Francia, Gran Bretagna, Austria, Israele... ma dico al mio lettore che una breve ricerca in rete potrebbe soddisfare ogni curiosità nel merito. E restando in casa nostra, ricordiamoci  che non più indietro di 16 - 18 mesi fa sono state cancellate dai teatri e festival italiani (e non solo italiani) rappresentazioni di direttori, di orchestre, di compagnie di balletto russe dopo l'invasione putiniana dell'Ucraina. Semplicemente perché russi. E non c'entravano (non c'entrano) nulla con le sanzioni giustamente comminate dall'occidente all'aggressore.
Torna la domanda: ma la musica è ideologica?
Che dire allora dei Mascagni, dei Respighi, dei Pizzetti, dei Porrino e della loro musica prosperata proprio nel ventennio fascista, compositori fascisti chi più chi meno convinti, comunque tutti favoriti dalla politica del regime? Se così è, con quale criterio si discrimina l'Inno a Roma rispetto a Turandot? Perché l'uno è al servizio del regime e l'altra al servizio della cultura musicale dell'epoca? La mia opinione è che non è la musica, ma l'uso che se ne fa a dover essere discusso: quando è una testimonianza storica che viene riproposta, non farà alcun male se l'uditorio che la accoglie è temprato e vaccinato. Oggi in Italia - nell'Italia repubblicana nata dalla Resistenza - non è più completamente così. Non voglio né indagare, né denunciare le cause del perché non sia più così: l'uditorio non ha più gli anticorpi diffusi (perlomeno nella maggioranza che vota) dell'antifascismo.
L'antifascismo diffuso e convinto rintonerà vincente quando la parte politica che osteggia il fascismo - o meglio: che si contrappone alla destra - si farà forte di una propria innovativa proposta di equità sociale e di funzionalità istituzionale (permanendo la democrazia nel sistema) non legata a ideologie, a schemi novecenteschi, a dogmi e censure che puzzano - queste ultime sì - proprio di fascismo. Non ha efficacia contrapporsi per esempio alla rievocazione della trasvolata atlantica di Italo Balbo con un divieto di celebrazione perché lui fu un gerarca durante il ventennio e un picchiatore, nonché un assassino (in pectore) dei capilega bracciantili prima dell'avvento del ventennio. Occorre fare, lasciar fare, e criticamente far pensare e far scegliere la cosa giusta per la democrazia. Alla luce dei fatti storici, non delle ideologie. Non ha efficacia opporsi alla intitolazione toponomastica di personaggi celebri nel ventennio e dichiaratamente fascisti, figli del loro tempo, in quanto l'opposizione anche quando ideale (se non proprio ideologica) non fa più tanto presa oggi sulle nuove generazioni quale elemento fondante delle relazioni civili e sociali. Non ha più presa sulle coscienze il vietare l'Inno a Roma: anzi queste "proibizioni" rischiano di generare l'effetto opposto. Occorre - perciò - fare, lasciar fare, e criticamente far pensare e far scegliere la cosa giusta per la democrazia.
Ripropongo la domanda: ma la musica è ideologica?

Ritornando a Beatrice Venezi: personalmente ho scritto di lei recensioni che la criticano (potrei dire, con un termine oggi in disuso: "recensioni che la stroncano"...) fin dal suo debutto del 2016 al Festival Puccini di Torre del Lago. Nelle mie recensioni ho spiegato perché non mi piace la sua bacchetta.
Ma dire che non piace a me (come non piace a tanti altri, colleghi e melomani di mia conoscenza) non significa che non possa esprimere il suo diritto di dirigere a suo modo quello che le è chiesto e quello che lei stessa - nella sua autonomia culturale - propone in giro per l'Italia e il mondo. Perciò... Fare, lasciar fare, e criticamente far pensare e far scegliere la cosa giusta per la democrazia.

Crediti fotografici: Fototeca gli Amici della Musica Uncalm
Nella miniatura in alto e sotto in sequenza: la direttora Beatrice Venezi

FERRARA - Divertire, stupire, corrodere, dissacrare. Sono i princìpi della neorivoluzione intellettuale mutuata dalle esagerate possibilità offerte da informatizzazione di massa e AI (Intelligenza Artificiale) nel villaggio globale. Ecco dunque che "esagerare" non è più l'eccezione, ma diventa la norma. Tanto più nell'opera lirica, dove nel libretto sono cristallizzati luoghi, epoche, costumi, convenzioni e convinzioni sociali, insomma il mondo del passato con la sua propria storia. Sì perché La traviata (o La signora delle camelie di Dumas figlio) ambientata da Piave e Verdi all'attualità del loro tempo, oggi è passato storico; così come Le mariage de Figaro di De Baumarchais (o, se si vuole, Le nozze di Figaro di Mozart-Da Ponte) è il passato storico. Le cui situazioni, intrecci, vicende fondanti sono negoziabili, quindi adattabili a epoche e convenzioni e convinzioni diverse dal periodo descritto sulla pagina nella drammaturgia originale. Ciò che non è negoziabile è - invece - la musica (e il canto) perché ambientare Le nozze di Figaro in un giardino nobiliare del Settecento o in una discarica di rifiuti dei giorni nostri può anche essere plausibile se l'intenzione è quella di rappresentare la farsa esistenziale dei protagonisti; e l'impatto emotivo su chi assiste - cioè il pubblico - può essere il surrogato pertinente delle due ambientazioni; ma la musica, in quanto elemento non negoziabile, non può essere surrogata da una parafrasi, da una variazione sul tema, da una libera interpretazione, da una riscrittura per strumenti diversi da quelli per cui era nata, perché la musica, elemento immateriale, giustifica sé stessa solo se rimane uguale a sé stessa. Questa è la forza che salva l' originale rispetto alla copia. Eserciti di musicologi e di filologi lo hanno scritto, dimostrato e filosoficamente motivato.

Ecco che, per quanto qui accennato, trova giustificazione ("giustificazione", non approvazione, né condivisione, sia ben chiaro) quanto dichiarato dal regista Adrian Schvarzstein per le "sue" Nozze di Figaro allestite a Ferrara: «Prendendo spunto dal film capolavoro Brutti, sporchi e cattivi di Ettore Scola, l’ambiente scelto è quello della misera periferia degli anni Sessanta del Novecento. I personaggi di questa commedia si mescolano in un continuo andirivieni di vicende che sono il frutto di una tensione sociale, non riescono a realizzarsi e vogliono coinvolgere gli altri nel loro insuccesso». La critica lo disse allora: “Quello che oggigiorno non è permesso dire, in quest'opera lo si canta!” (Wiener Realzeitung, 1786). Il regista Schvarzstein riprende le provocazioni della commedia di De Beaumarchais e le porta in scena: l’opera mozartiana diventa così l’opportunità per «... sorridere delle convenzioni, e soprattutto delle diverse classi sociali che oggi, effettivamente, non hanno alcun senso, ma che continuano ad esistere in altre forme.»
Una bella operazione di adattamento, possibile perché «le provocazioni della commedia» sono, appunto fatti negoziabili. Così nella platea e nei palchi del Teatro Comunale "Claudio Abbado" Le nozze di Figaro non cominciano al primo levare-battere della bacchetta direttoriale, cominciano ben a monte, quando il pubblico (teatro esaurito) sta per entrare e trova figuranti e cantanti (compreso lo stesso regista) intenti a fingere di fare pulizie, vendere gadget, cazzeggiare una qualunque cosa basta che sia esagerata e fuori tema. E la sequela di situazioni, gags di gruppo, entrate-uscite-rientrate (soprattutto in un gabinetto, sì, un cesso da cantiere edile, non il "gabinetto" del secondo atto dove si nasconde Cherubino poi sostituito da Susanna) si estende a tutti e quattro gli atti dell'opera di Mozart-Da Ponte introducendo (senza che sia prescritto) il teatro nel teatro.

Poco male, agli effetti pratici (e di botteghino): il pubblico sta cominciando ad adattarsi anche alle stramberie nell'opera, effetto allucinogeno che genera sempre più assuefazione, al punto tale che notare o non notare le "differenze" rispetto alle "vere verità drammaturgiche" comincia a non avere più alcun senso.
A Ferrara, per Le nozze di Figaro, è stato confermato il cast vocale già protagonista lo scorso anno nel Don Giovanni, di Mozart-Da Ponte: in scena erano Guido Dazzini (Conte d'Almaviva), Giovanni Luca Failla (Figaro), Marta Lazzaro (Contessa d'Almaviva), Gesua Gallifoco (Susanna), Silvia Caliò (Barbarina), Alessandra Adorno (Marcellina), Gianluca Convertino (Antonio e Bartolo) e Lorenzo Martelli (Basilio e Don Curzio), cui si è unito per questa produzione il contratenore Nicolò Balducci (Cherubino), un altro giovanissimo talento scelto dal maestro Leone Magiera cui era affidata la preparazione musicale dei giovani cantanti del cast.
E proprio Magiera, che aveva festeggiato pochi giorni prima il suo 89° compleanno a Ferrara, mentre era impegnato a preparare Nozze con i cantanti, ha spiegato le sue linee-guida: «Con la forza della musica, così spumeggiante e incisiva, e con la varietà di ritmi e di colori del tutto insoliti per l’epoca, Le nozze di Figaro continuano a stupire per la modernità e per l’impatto che esercitano sui pubblici di tutto il mondo dal 1786 ad oggi... Quest’anno ho ritrovato questi giovani artisti, dal grande avvenire, ancor più motivati e maturati nel loro percorso a continuare quell’operazione di attenzione allo sviluppo professionale dei talenti emergenti che la dirigenza del Teatro Comunale "Claudio Abbado" ha, con lungimiranza, avviato da qualche stagione.»
Il Coro del Teatro Comunale "Claudio Abbado" è stato affidato alla brava Teresa Auletta, mentre in buca suonava l'Orchestra Città di Ferrara.
Costumi e scene sono a cura di Lilli Hartmann e il design luci di Marco Cazzola, assistente alla regia e coreografa Jūratė Sirvytė-Rukstelė.
Detto che tutti i giovani cantanti se la sono cavata egregiamente e che più che egregio musicalmente è stato il Cherubino del falsettista Nicolò Balducci (il più calorosamente applaudito dal pubblico anche a scena aperta) rimane da parlare della conduzione musicale del maestro Massimo Raccanelli. Ecco, il vero gioiello della serata è stata la sua concertazione: attento costantemente al palcoscenico, ha guidato l'orchestra, i cantanti e il coro in magnifiche esecuzioni durante i numerosi concertati mozartiani. Tanto che l'impressione (dicasi "impressione", ovviamente di chi scrive questa cronaca) era che la sua fedeltà all'originale segnasse un distacco dalla rappresentazione: la musica per conto proprio, separata in casa dalla messa in scena.
Del resto, quando il podio rischia di essere distratto da rumori di scena (non solo passi, o botto di oggetti, ma anche vere e proprie standing-ovations di coro e figuranti... ipse dixit gubernator fabula) l'antidoto è concentrarsi sull'orchestra, sui cantanti, sul coro. E guidarli alla mèta, ignorando l'extracontesto.
Così la proverbiale semplicità nel dialogo fra i suoni e la leggerezza nella consistenza di marca mozartiana hanno deliziato l'udito dei puristi e sicuramente ammaliato la sensibilità dei neofiti. I primi dieci minuti di canto dopo la sinfonia iniziale (anche questa tempestata da rumori extracontesto e gags tanto divertenti quanto inopportune) sono parsi squilibrati nel rapporto orchestra/voce, con lo strumentale che copriva il canto, poi Raccanelli ha aggiustato il tiro e ha confezionato il gioiello di concertazione di cui si diceva.
Al termine applausi e più chiamate per tutto il cast. Ovazione per Massimo Raccanelli al suo apparire sul proscenio. Applausi anche per il management regista-costumista-coreografa, nonostante tutto.
(la recensione si riferisce alla recita di venerdì 30 giugno 2023)

Crediti fotografici: Marco Caselli Nirmal per il Teatro Comunale "Claudio Abbado" di Ferrara
Nella miniatura in alto: il regista Adrian Schvarzstein
Sotto in sequenza: panoramiche su interpreti e costumi
Al centro in sequenza: Nicolò Balducci (Cherubino); Gianluca Convertino (Antonio e Bartolo); Marta Lazzaro (Contessa d'Almaviva); Alessandra Adorno (Marcellina) e Adrian Schvarzstein (seduto dentro al cesso); Gesua Gallifoco (Susanna) e Guido Dazzini (Conte d'Almaviva); ancora la Gallifoco con Giovanni Luca Failla (Figaro)
In fondo in sequenza:  la Gallifoco con Balducci e Lorenzo Martelli  (Basilio e Don Curzio); panoramica sull'allestimento